A principios de la década de los cincuenta, las escuelas superiores y las universidades norteamericanas comenzaron a modificar sus programas de enseñanza y difusión de la música con la apertura hacia el jazz, y la aceptación de que se trataba de un fenómeno serio y digno de estudio llegaba, aunque con veinte años de retraso respecto a Europa.
Diana Krall 05|08|08 Palma Arena Jazz Voyeur Festival 2008
La cantante y pianista canadiense Diana Krall, es en la actualidad, una de las mejores voces del jazz contemporáneo. Su éxito internacional sin precedentes ha redefinido las reglas del mercado del jazz, pero ella sigue fiel a sus raíces de bop y swing.
El maestro cubano del jazz latino, Bebo Valdés, pianista, arreglador, compositor y director musical, a sus 90 años de edad, presenta con Jesús Chucho Valdés (67), su hijo, el próximo sábado 25 de octubre en el Teatro Auditorium de Palma, su último trabajo discográfico, Juntos para siempre, dentro del marco del Jazz Voyeur Festival 2008.
Bebo Valdés, gigante de la música cubana, es uno de los últimos supervivientes de la época dorada de la música cubana de los 40 y los 50.
Tras el triunfo de la Revolución cubana, Valdés se exilia en Suecia, donde vive olvidado durante cuatro décadas ganándose la vida como pianista en los bares de los hoteles de Estocolmo.
Esta carismática, legendaria, y ya mítica orquesta de jazz estilo New Orleans, nace a mediados de los años 60 cuando un grupo de músicos argentinos se reúnen para actuar en los festivales de jazz de Buenos Aires. Su especial manera de interpretar los temas, su latin american temperament, y su feeling, hacen que rápidamente multipliquen sus actuaciones y consigan realizar sus primeras grabaciones discográficas.
Bebo Valdés, gigante de la música cubana, es uno de los últimos supervivientes de la época dorada de la música cubana de los 40 y los 50.
Tras el triunfo de la Revolución cubana, Valdés se exilia en Suecia, donde vive olvidado durante cuatro décadas ganándose la vida como pianista en los bares de los hoteles de Estocolmo.
Pero a partir del año 2000, tras su aparición en la película Calle 54, Bebo regresa de modo espectacular a los escenarios. Old Man Bebo, que fue rodada a lo largo de siete años, en Cuba, Suecia, España y Estados Unidos, es la crónica de las vidas y las épocas de Bebo Valdés.
El director de esta película es Carlos Carcas, cineasta nacido en Miami en 1968. Hijo de exiliados cubanos, Carcas trabajó como operador de cámara en Calle 54, bajo la dirección de Fernando Trueba. Además codirigió y editó Side B, un documental de 50 minutos acerca de la historia del jazz latino, y dirigió el documental musical Mira como viene, con el septeto del pianista español Chano Domínguez.
Old Man Bebo · Trailer
Old Man Bebopor Carlos Carcas
La primera cosa de Bebo Valdés que me llamó la atención fue su forma de escribir. Me recordaba a la forma en que escribía mi abuelo, algo que siempre he asociado con un tiempo y lugar determinados. Era “caligrafía antigua cubana”. Aquello y su sonrisa. Bebo siempre está sonriendo. Fue en el año 2000 y yo estaba trabajando de operador de cámara con Fernando Trueba en el rodaje de Calle 54. En aquel momento, Bebo no tenía ni idea de que estaba emprendido un viaje que le proporcionaría seis premios Grammy. Tampoco tenía yo idea que sería pasajero en aquel barco.
Calle 54 fue una droga potente, y después de trece días de rodaje, vagaba por las calles de Manhattan necesitando más. Fernando Trueba estaba entrando en otro estudio para grabar el álbum El arte del sabor con Cachao, Patato Valdés y aquel hombre tan simpático que tocaba el piano, el padre de Chucho. Teníamos una pequeña cámara de video y Trueba dijo, “¿Por qué no vienes y grabas algunas imágenes para usar en la promoción del disco?”. Sin saberlo, esos fueron los primeros fotogramas de Old Man Bebo.
Dos años después, mi amiga Silvia Delgado me llamó, como hacía cada vez que llegaba algo interesante a Madrid. “Carlos, Bebo viene a ensayar con El Cigala”. Inmediatamente pensé “Voy pa’ allá.”
Fueron los días de la grabación del álbum del Cigala Corren tiempos de alegría y la experiencia fue sublime. La combinación de la voz de Cigala y el piano de Bebo era algo completamente nuevo y al mismo tiempo sonaba como si hubiese existido siempre. Todos los que estuvimos en los ensayos y las sesiones de grabación nos quedamos alucinados. Aquello iba a ser grande. Iba ser una revolución. Y entonces…
No pasó nada Cogí el material, lo guardé en la estantería y me olvidé— o casi. Sabía que había algo muy especial en aquellas cintas. Que algún día podría usarlo de alguna manera. Cuando Fernando Trueba decidió grabar Lágrimas Negras, no lo pensé dos veces. No me importaba que nadie viera nunca lo que grabara. Necesitaba aquella droga musical.
Lo filmé todo. Horas de ensayo y todo la música que se grabó. De Madrid volamos a Nueva York para la grabación de los dos álbumes de Bebo de Cuba y después a Miami para las sesiones de Beautiful Music con Federico Britos. Fue un viaje mágico. El resultado inmediato de ese metraje fue una película que edité llamada La cocina de Bebo y Cigala. Más adelante salió otra pieza corta para el álbum Bebo de Cuba llamada Cuaderno de Nueva York. Y después, cogí las cintas y las puse de nuevo en la estantería.
Durante el tiempo que transcurrió desde Calle 54 hasta La cocina, llegué a conocer y a querer a Bebo. Si pasas cinco minutos con él y no le quieres al instante, es porque algo te pasa. Como músico, Bebo es completo. No puedo contar las veces que le he visto sentarse al piano y, sólo para calentar, tocar Waltz for Debby de Bill Evans y de ahí saltar a la Danza No. 1 de Ignacio Cervantes y luego entrar en un boogie-woogie improvisando un solo increíble. Ya no puedo andar por Nueva York sin el sonido de su big band en la cabeza.
Para mí, Ecuación es la banda sonora de la Séptima Avenida de Manhattan. Y jamás olvidaré, durante un descanso entre ensayos en el 2002, su interpretación de la Danza Andaluza de Granados. Hay algo misterioso en su manera de tocarla, pero no se atreve a grabarla porque, en sus palabras, “Es una pieza muy difícil". Esto es una muestra de su modestia y de su respeto por la música.
Bebo es la definición de la palabra “caballero". Después de todas esas horas que pasaba escuchando sus historias, escuchando sus ideas sobre la música, empecé a ser consciente de que tenía frente a mi una pieza enorme de la música cubana del siglo XX. Por entonces apenas se había escrito o hablado sobre Bebo. Salvo para un puñado de entendidos, era totalmente desconocido. Todavía hoy no se ha hablado lo suficiente. Dentro de mí brotó un sentido de responsabilidad. Trueba estaba produciendo los discos y yo estaba ahí viéndolo todo con una cámara en la mano. ¿Qué iba a hacer con aquello?
Comencé a pensar en una película biográfica principalmente porque Bebo me tenía enganchado. Mi motivación principal era poder terminarla, grabarla en un dvd, sentar a Bebo, decirle “Aquí está tu vida” y pulsar play. Pero cuando empecé a investigar, con la ayuda inestimable de Rosa Marquetti, entendí que ésta película ya no era mía. Pertenecía a la cultura cubana.
Yo simplemente era un cazador de tesoros lanzándome al mar y volviendo a la superficie con unos trozos de historia que se habían arrancado de los libros y tirado por la borda. Una vez que las páginas estaban restauradas, lo único que tuve que hacer fue pegarlas de nuevo en su sitio. Y en el proceso de filmar la historia de Bebo, he podido redescubrir mis propias raíces cubanas y americanas, partiendo desde España, lo que me ha dado la distancia y la objetividad necesarias para distinguir con claridad lo más importante de esta historia: el amor de un hombre por La Música. Carlos Carcas
El maestro cubano del jazz latino, Bebo Valdés, pianista, arreglador, compositor y director musical, a sus 90 años de edad, presenta con Jesús Chucho Valdés (67), su hijo, el próximo sábado 25 de octubre en el Teatro Auditorium de Palma, su último trabajo discográfico, Juntos para siempre, dentro del marco del Jazz Voyeur Festival 2008.
“Alguna vez pensé que no volveríamos a vernos..." -cuenta Bebo Valdés- "...y ahora tenemos la oportunidad de estar juntos y poder grabar lo que hacíamos en casa. Quizá sea una recompensa a todos aquellos años de incertidumbre”. En las notas de presentación de Juntos para siempre puede leerse: “Este disco es un diálogo, un abrazo y también el legado de dos artistas que tuvieron que vivir separados más tiempo del que ambos hubieran querido. En este disco, Bebo y Chucho están ya, por fin, juntos para siempre”.
Juntos para siempre reúne a dos de los más grandes pianistas latinos de todos los tiempos. Bebo Valdés y Chucho Valdés, juntos en el estudio de grabación, interpretando a dos pianos, clásicos de la música latinoamericana (Tres palabras, Son de la loma, Sabor a mí, Lágrimas negras, La gloria eres tú, Perdido), del jazz (Tea For Two) y composiciones propias (Preludio para Bebo, Descarga Valdés, A Chucho, Rareza del siglo).
Un disco lleno de ritmo, melodía y amor a la vida que Bebo y Chucho presentaron el 9 de octubre en Casa de América de Madrid, antes de comenzar juntos una gira por España que les llevará el 23 de octubre a Barcelona, el 25 a Palma de Mallorca, el 30 de octubre a Zaragoza, el 1 de noviembre a Andorra, el 2 a San Sebastián, el 4 a Valladolid, el 7 a Madrid y el 15 de noviembre a Alcoy.
La comparsa (Ernesto Lecuona)
Bebo Valdés, piano · Chucho Valdés, piano
Bebo Valdés Bebo comenzó su carrera profesional en la década de los cuarenta, como pianista de una de las orquestas más populares de la época, la de Julio Cueva, para la cual compone el mambo La rareza del siglo. Pocos años antes, Cachao había cambiado el curso de la música cubana con su danzón Mambo. A Bebo le correspondió ser uno de los primeros orquestadores del nuevo género, vistiéndolo de lujo.
Bebo se suma a la orquesta de Armando Romeu en Tropicana. En poco tiempo, es asesor musical del célebre cabaret. El productor Norman Granz, entusiasmado por la reacción al jazz afrocubano en New York, le encomienda a Valdés en 1952 la primera descarga de jazz cubano que se graba en la isla. En esas fechas, la orquesta de Valdés, Sabor de Cuba, se escucha en la radio a lo ancho y largo de la isla, para deleite de los aficionados.
Al comienzo de los sesenta en México, Bebo es director musical del bolerista chileno Lucho Gatica. Va de gira por Europa con los Havanna Cuban Boys.
En Estocolmo, se enamora, se casa y durante más de treinta años permanece en un cierto anonimato, relegando su actividad musical a la participación en shows de una cadena hotelera internacional.
El 25 de noviembre de 1994, Bebo recibe una llamada de Paquito D'Rivera, invitándole a grabar un nuevo disco en Alemania. Tres días después, D'Rivera produce Bebo Rides Again, colección de clásicos cubanos y originales de Valdés, compuestos especialmente para la ocasión. El tiempo no pasa en vano; suena mejor que nunca: comienza una nueva carrera a sus setenta y seis años.
En el 2000 Bebo aparece en Calle 54 película del español Fernando Trueba, con quien colabora también en la banda sonora de dicho film. En el exitoso disco de Calle 54 publicado posteriormente, junto a Bebo Valdés figuran otros grandes nombres del jazz latino como Tito Puente, Eliane Elias, Jerry González, Michel Camilo, Paquito D'Rivera, Cachao...
Otro trabajo de Bebo ha sido Lágrimas negras, afortunada reunión de este exquisito pianista con el cantaor Diego el Cigala, propiciada tembién por Fernando Trueba. Lágrimas Negras obtuvo un Grammy Latino y ha sido publicado con enorme repercusión en todo el mundo.
Lágrimas Negras (Miguel Matamoros)
Bebo Valdés, piano · Israel LópezCachao, contrabajo
Chucho Valdés Nació en Quivicán, Cuba, en 1941, hijo de Bebo Valdés, destacado pianista y compositor cubano. A los tres años comienza a tocar el piano de oído y a los cinco ya recibe clases del profesor Oscar Muñoz Boufartique. A los ocho años ingresa en el Conservatorio Municipal. A los 15, crea su primer trío de jazz y un año después forma parte de la Orquesta Sabor de Cuba, dirigida por su padre hasta el año 1961.
En 1963, graba su primer disco, Chucho Valdés y su Combo, al mismo tiempo que toca el piano en la Orquesta del Teatro Musical de La Habana. En 1964 se incorpora a su combo el cantante Amado Borcelá, Guapacha, y juntos abren un nuevo camino en la música popular cubana. Fue como el preámbulo de Irakere, ya que en este combo también estaban Carlos Emilio Morales, guitarra y Paquito D'Rivera, saxo y clarinete.
En 1967 se funda la Orquesta Cubana de Música Moderna y Chucho, junto con Carlos Emilio y Paquito, pasan a formar parte de ella. En 1970, dirige un quinteto que debuta en el Festival de Jazz Jamboree en Polonia. Aparece por primera vez entre los cinco mejores pianistas de jazz en el mundo junto a Bill Evans, Oscar Peterson, Herbie Hancock y Chick Corea.
En 1972, graba el disco Jazz Batá y después incorpora a su grupo metales y batería, fundando Irakere, el grupo más importante en la historia de la música cubana en la segunda mitad del siglo XX. La primera versión de Irakere se mantuvo hasta el año 1980. Luego de ese período pasaron por el grupo figuras que después alcanzaron renombre internacional. Irakere fue el primer grupo cubano que ganó un premio Grammy en 1980.
Chucho ha realizado giras por más de 50 países, ha grabado de 52 discos. En 1996 Chucho se une al joven trompetista Roy Hargrove y fundan la banda Crisol junto con otros músicos importantes de Puerto Rico, Estados Unidos y Cuba. Graban un disco titulado Habana, con el cual obtuvieron un Premio Grammy.
A lo largo de su carrera Chucho ha tocado con las principales figuras de la escena musical y con las orquestas del Lincoln Center Big Band, Village Vanguard Orchestra, John Clayton Big Band y la Orquesta de Machito. En 1997 recibió el Doctorado Honoris Causa en la Universidad de Victoria, Canadá.
En 1998 y sin abandonar Irakere, Chucho fundó un cuarteto con un concepto musical muy diferente donde el piano llevaba la voz cantante y con el que ha grabado cuatro discos en el sello Blue Note. Los cuatro fueron nominados y dos de ellos ganaron el premio Grammy.
También ha grabado en solitario tres discos bajo el mismo sello discográfico, de los cuales dos fueron nominados para los Grammy; y, para el sello Egrem un disco de solo piano, con todas las obras de su autoría, llamado Canciones Inéditas por el que también recibió un Premio Grammy.
Hasta ahora, cuenta con cinco premios Grammy y 14 nominaciones, además de estar inscrito en el Hall de la Fama del Jazz Latino, de recibir el Premio Nacional de la Música en Cuba, el Doctorado Honoris Causa en Artes en el Instituto Superior de Arte de La Habana, la Distinción al Mérito Pedagógico en el Instituto Superior de Arte y la Medalla Félix Varela que es la máxima distinción de la Cultura Cubana. Ahora prepara la grabación para su ópera Obatalà.
Información: Material de prensa Jazz Voyeur Festival.
Porteña Jazz Band 14|08|08 Ses Voltes · 22.00 Jazz Voyeur Festival 2008 Entrada gratuita
Esta carismática, legendaria, y ya mítica orquesta de jazz estilo New Orleans, nace a mediados de los años 60 cuando un grupo de músicos argentinos se reúnen para actuar en los festivales de jazz de Buenos Aires. Su especial manera de interpretar los temas, su latin american temperament, y su feeling, hacen que rápidamente multipliquen sus actuaciones y consigan realizar sus primeras grabaciones discográficas.
La incorporación de más músicos permite que la banda decida seguir el estilo que marcaban las grandes orquestas de los años 30, como Duke Ellington, Fletcher Henderson, Chocolate Dandys, Mac Kinney Cotton Pickers… Con esta formación, la Porteña Jazz Band adquiere un prestigio que le permite concretar las primeras actuaciones fuera de su país, realizando giras por Brasil, Chile, Jamaica, Venezuela y Puerto Rico.
En 1975, su primera gira europea abarca países como Francia, Holanda, Italia, Bélgica, Alemania y Suiza, donde obtienen doce distinciones y premios. El grupo realiza varias grabaciones en directo (Festival de Breda) o de catálogo (Sello Spronk).
Las giras europeas se repiten en varias oportunidades llegando a actuar en más de 40 festivales internacionales entre los que destacan, Festival de Burgdorf, Musikerkeller Festival, Jazz Meeting Gentbrugge, Oude Stijl Jazz Festival Breda, Hannover Jazz Festival, Hamburg Festival, Marciac Festival, Festival de Bayonne.
La Porteña también compartió escenarios con relevantes figuras del jazz como Bud Freeman, Duke Ellington, Lionel Hampton, Winton Marsalis, Phil Woods, Gerry Mulligan, Chick Corea, Michel Petrucciani, Arturo Sandoval.
Los músicos de la Porteña Jazz Band han grabado doce LP's, tres CD's y dos discos simples en Argentina, un LP en Francia, dos LP's y cinco CD's en Holanda y siete en Uruguay. Astor Piazzolla (tango moderno), Les Luthiers (instrumentos informales y humor) y la Porteña Jazz Band recibieron el premio Konex a los mejores intérpretes internacionales, cada uno en su especialidad, de toda la historia artística argentina. En julio de 2005 la Porteña Jazz Band cumplió sus primeros 40 años de existencia. Información original de la página oficial de la PJB.
Integrantes Ubaldo González Lanuzasaxo tenor, clarinete, voz, conducción y humor José Ignacio Mazzantisaxo soprano, alto y barítono Alfredo Espinozasaxo alto y clarinete Juan Carlos Moruzzisaxo alto y clarinete Luis Parella Terrieltrombón a vara Raul Grano Cortínezbanjo y guitarra Marcelo Gallotrompeta Nuevos integrantes Arnau Boixtrompeta David Parrastuba Federico Mazzantipiano y arreglos Ignacio Mazzantibatería y washboard
Deep Purple 15|09|08 · 20.00 Palma Arena · Mallorca
En la web oficial de Deep Purple ya se ha confirmado la actuación de la mítica banda de hard rock en Mallorca. Será el 15 de setiembre, en el Palma Arena. De la clásica formación de 1984, integrada por Ian Gillan, Ian Paice, Roger Glover, Ritchie Blackmore y Jon Lord, sólo faltan estos dos últimos, reemplazados respectivamente por Steve Morse y Don Airey (ex-Rainbow y Gary Moore Band). Los Deep Purple no han dejado de actuar y realizar giras por todo el mundo, durante casi cuatro décadas.
Esta banda británica, que comenzó a funcionar como Deep Purple en 1968, se formó originalmente en Alemania, con integrantes del grupo Roundabout, entre los que figuraban Jon Lord y Ritchie Blackmore. Su historia es la del heavy metal mundial. El concierto de Mallorca, será el cuarto de su gira 2008 por España, que comienza en Marbella el jueves 11 de setiembre, continúa el 12 en Granada, el 13 en Castellón, para culminar el lunes 15 en el recinto Palma Arena de la capital balear.
Rapture Of The Deep · Deep Purple · 2005
Rapture Of The Deep (2005) y Bananas (2003) son los dos discos que representan la nueva etapa que esta viviendo Deep Purple.
Los temas 01. Money Talks 02. Girls Like That 03. Wrong Man 04. Rapture Of The Deep 05. Clearly Quite Absurd 06. Don't Let Go 07. Back To Back 08. Kiss Tomorrow Goodbye 09. MTV (Bonus Track) 10. Junkyard Blues 11. Before Time Began
Highway Star · Deep Purple · Montreux Jazz Festival 2006
Ian GillanvocalsIan PaicedrumsRoger Gloverbass Steve MorseguitarDon Aireykeyboard
Diana Krall 05|08|08 Palma Arena Jazz Voyeur Festival 2008
La cantante y pianista canadiense Diana Krall, es en la actualidad, una de las mejores voces del jazz contemporáneo. Su éxito internacional sin precedentes ha redefinido las reglas del mercado del jazz, pero ella sigue fiel a sus raíces de bop y swing. Utilizando material de las tradiciones del pop y el jazz de América, ha creado una música irresistible y distinta al añadir su propio talento, musicalidad y carisma a canciones clásicas.
Diana Krall nació en una familia musical en Nanaimo, British Columbia. Su madre cantaba en la iglesia y su padre, un pianista con gran conocimiento del jazz y de los clásicos del Tin Pan Alley, tenía una enorme colección de discos que acercó a la joven Diana a muchas de las grandes canciones del jazz y del pop, beneficiando así su propio desarrollo musical.
"Estuve involucrada en la música desde mi infancia", recuerda Krall. "Mi padre tenía una enorme colección de discos de vinilo, con la que escuché por primera vez a Fats Waller, Bing Crosby y Louis Armstrong. Conecté con la música en un nivel tan emocional que no fue un caso de 'eso es lo que quiero hacer', sino 'eso es lo que tengo que hacer'."
Krall empezó a estudiar piano cuando tenía cuatro años y, más tarde, tocó en la banda de su instituto. Con sólo 15 años, ya tocaba en restaurantes y bares cerca de su pueblo. A los 17 años, ganó una beca del Festival Internacional de Jazz de Vancouver para estudiar en el Berklee College of Music de Boston.
Al mismo tiempo, sus actuaciones le granjearon la admiración del legendario contrabajista Ray Brown, quien le sugirió que se trasladara a Los Ángeles para estudiar con el pianista Jimmy Rowles. Durante este período Krall empezó a cantar, además de tocar. En 1990, después de tres años en LA, se trasladó a New York, donde comenzó a trabajar con su propio trío.
Su carrera discográfica arranca en 1993 con la publicación de su primer álbum Stepping Out que grabó con John Clayton, contrabajo, y Jeff Hamilton, baterista, dos expertos del jazz que se quedarían como colaboradores de Krall durante muchos años.
El disco logró el número tres en la lista de éxitos de jazz de Billboard y llamó la atención de los productores Carl Griffin y Tommy LiPuma, quienes le contrataron en GRP Records y produjeron su segundo disco, Only Trust Your Heart, de 1995. Este álbum, en el que participaron prestigiosos músicos como Ray Brown y Stanley Turrentine, marcó el inicio de una larga y exitosa asociación con LiPuma, quien continuaría produciendo los álbumes de Krall para GRP, Impulse! y Verve.
En 2004, se publicó The Girl in the Other Room, el primer álbum en el que añadió composiciones propias a su repertorio de clásicos y versiones.
Escribió la mitad de las doce canciones del disco, con contribuciones de letras de Elvis Costello, su pareja desde 2003. Su transición a escribir canciones originales fue motivada en parte por el fallecimiento de su madre y también por la pérdida de sus mentores Ray Brown y Rosemary Clooney.
Krall describe The Girl in the Other Room como "una experiencia muy intensa y artísticamente gratificante. Después de la pérdida de mi madre no podía volver a muchas canciones que antes amaba porque no podía identificarme con ellas. Entonces, necesitaba otra manera de expresarme." Texto: CoverArtWorld 2008 con información de Jazz Voyeur Festival. Fotos: Página oficial de Diana Krall. Entradas relacionadas: The Very Best Of Diana Krall
Cuando se preparaba la primera grabación de Strange Fruit, el propietario de la compañía discográfica, Milt Gabler, quiso que Billie Holiday también aportara un blues de doce compases. Estaban previstas cuatro caras, y las otras dos debían acoger Yesterdays y un tema que, pese a llevar la palabra blues en el título, no lo era, I Got a Right to Sing the Blues.
Según el propio Gabler, la noche antes de la sesión se reunió con Billie en el Cafe Society y la ayudó a componer el blues de doce compases que denominarían a continuación Fine and Mellow. Al igual que Strange Fruit, este tema permanecería indisolublemente unido a la cantante desde que lo grabó para la Commodore aquel histórico 20 de abril de 1939.
La insistencia de Gabler en que Billie cantara un blues provenía, según él (citado por John Chilton en su espléndida biografía de Lady Day), de lo mucho que le gustaba el disco de 1936 Billie's Blues.
Billie Holiday cantó muchas veces Fine and Mellow a lo largo de su carrera; era uno de los temas básicos de su repertorio. Pero su interpretación más célebre tuvo lugar en un programa de televisión, el mes de diciembre de 1957. El programa, titulado The Sound of Jazz, se extendía a una hora de duración y pretendía ofrecer una panorámica de distintas vertientes de esta música mediante actuaciones con el relajado espíritu de una jam session.
La autenticidad de la iniciativa estaba garantizada por Nat Hentoff, uno de los más importantes y lúcidos críticos de jazz que hayan existido, quien compartía las labores de producción con Whitney Balliett. El director, Jack Smight, pronto famoso en el ámbito cinematográfico, volcó creatividad y buen gusto en su trabajo. Por otra parte, allí estaban músicos como Thelonious Monk, Count Basie, Jimmy Giuffre, Rex Stewart, Gerry Mulligan, Ben Webster, Henry Red Allen, Coleman Hawkins, Dicky Wells... y Lester Young.
A pesar del talento de estas estrellas, Billie Holiday, acompañada por algunas de las mismas, fue la causante del fragmento realmente mágico del programa, su interpretación de Fine and Mellow. Nat Hentoff ha narrado, en su libro Jazz Is (1976, Jazz), que Lester Young se hallaba tan débil que en los ensayos había renunciado a ejecutar los solos que se le habían adjudicado. No se hablaba, además, con Billie, desde tiempo atrás.
Pero en el momento de la verdad, cuando Billie empezó a cantar Fine and Mellow con una fuerza y un lirismo sorprendentes en aquella última fase de su vida, Lester pareció despertar de su dramático letargo, y llegado el turno de su solo se irguió para asombrar a su vez a los reunidos y provocar una inolvidable expresión de amor en el rostro de Billie Holiday, captada por un revelador primer plano. Les quedaba, a uno y otra, un año y unos meses de existencia. Fine and Mellow ha permanecido desde entonces unido al recuerdo de esta maravillosa pareja. Texto: Joan Giner y Javier Coma · Colección Maestros del Jazz · 1988
Fine and Mellow (Billie Holiday)
My man don't love me He treats me oh so mean My man he don't love me He treats me awful mean He's the lowest man That I've ever seen
He wears high trimmed pants Stripes are really yellow He wears high trimmed pants Stripes are really yellow But when he starts in to love me He is so fine and mellow
Love will make you drink and gamble Make you stay out all night long Love will make you drink and gamble Make you stay out all night long Love will make you do things That you know is wrong
Treat me right baby And I'll stay home everyday Just treat me right baby And I'll stay home night and day But you're so mean to me baby I know you're gonna drive me away
Love is just like a faucet It turns off and on Love is like a faucet It turns off and on Sometimes when you think it's on baby It has turned off and gone
The Sound of Jazz · Ficha Técnica
1. Wild Man Blues The Henry Red Allen All Stars · 4.48 2. Rosetta The Henry Red Allen All Stars · 4.59 3. Fine And Mellow Billie Holiday with Mal Waldron & All Stars 6.22 4. Blues Jimmy Giuffre & Pee Wee Russell 6.55 5. I Left My Baby Count Basie with All Stars feat. Jimmy Rushing 4.29
6. The Train And The River The Jimmy Giuffre Trio · 4.45 7. Nervous Mal Waldron · 3.46 8. Dickie's Dream Count Basie with All Stars · 5.55 9. Wild Man Blues (Alternate Take) The Henry Red Allen All Stars · 8.45
A principios de la década de los cincuenta, las escuelas superiores y las universidades norteamericanas comenzaron a modificar sus programas de enseñanza y difusión de la música con la apertura hacia el jazz, y la aceptación de que se trataba de un fenómeno serio y digno de estudio llegaba, aunque con veinte años de retraso respecto a Europa.
Hasta entonces las universidades habían concentrado sus esfuerzos musicales promoviendo conciertos de música clásica, mientras que el jazz, confinado entre los géneros populares, sólo se interpretaba en los bailes de fin de curso. Desde 1952, sin ningún apoyo oficial, algunas iniciativas de carácter estudiantil promovieron los primeros contactos con el mundo del jazz.
Desde un principio los conciertos fueron un éxito, porque los jóvenes estaban abiertos a descubrir los tesoros que tenían en su propia casa y a los cuales se les había dado la espalda durante tanto tiempo. El grupo pionero en estas demostraciones en universidades fue el Dave Brubeck Quartet con la estrella del saxo alto Paul Desmond.
En 1953 ya contaba con un circuito permanente de actuaciones en los campus de diversas universidades de California y del Medio Oeste. Para los jóvenes, la música del cuarteto se convirtió en una institución y un punto de referencia cultural. De esta manera comenzó la gradual aceptación del jazz por parte del público blanco.
A propósito de este papel que se le adjudica, el mismo Brubeck declara con modestia: “Tengo una gran deuda y albergo gratitud hacia George Shearing. George me ha ayudado muchísimo a conseguir el éxito. El fue el primero en descubrir el sitio justo para formar el ambiente más adecuado para este tipo de música. Lo mismo que representó Shearing para nosotros (el Quartet), lo fue este grupo para el Modern Jazz Quartet.”
En 1956, con la incorporación de Joe Morello (batería), y en 1958 con la de Eugene Wright (contrabajo), el Dave Brubeck Quartet logró una perfección formal considerable y ya en 1959 comenzó a experimentar con tiempos compuestos, poco habituales en el jazz y que serían una característica esencial de su música. Take Five, compuesto por Paul Desmond, se transformó en la insignia del grupo y en su catapulta a la fama. Nota de Contratapa del LP New York de Dave Brubeck. Colección Maestros del Jazz, España 1989.
Blue Rondo a la Turk 18.08.59 · 6.44 · Brubeck Strange Meadow Lark 01.07.59 · 7.22 · Brubeck Take Five 01.07.59 · 5.26 · Desmond Three To Get Ready 25.06.59 · 5.24 · Brubeck Kathy's Waltz 25.06.59 · 4.48 · Brubeck Everybody's Jumpin' 25.06.59 · 4.23 · Brubeck Pick Up Sticks 18.08.59 · 4.16 · Brubeck
The Dave Brubeck Quartet Paul Desmondalto-sax Dave Brubeckpiano Eugene Wrightbass Joe Morellodrums
El diseño de la portada y la pintura que aparece en ella, es obra de Neil Fujita (1921), Director de Diseño de Columbia Records desde 1954 hasta 1960.
https://www.youtube.com/watch?v=PHdU5sHigYQ
Bebo Valdés, gigante de la música cubana, es uno de los últimos supervivientes de la época dorada de la música cubana de los 40 y los 50.
El director de esta película es Carlos Carcas, cineasta nacido en Miami en 1968. Hijo de exiliados cubanos, Carcas trabajó como operador de cámara en Calle 54, bajo la dirección de Fernando Trueba.
Bebo se suma a la orquesta de Armando Romeu en Tropicana. En poco tiempo, es asesor musical del célebre cabaret. El productor Norman Granz, entusiasmado por la reacción al jazz afrocubano en New York, le encomienda a Valdés en 1952 la primera descarga de jazz cubano que se graba en la isla. En esas fechas, la orquesta de Valdés, Sabor de Cuba, se escucha en la radio a lo ancho y largo de la isla, para deleite de los aficionados.
En Estocolmo, se enamora, se casa y durante más de treinta años permanece en un cierto anonimato, relegando su actividad musical a la participación en shows de una cadena hotelera internacional.
En 1963, graba su primer disco, Chucho Valdés y su Combo, al mismo tiempo que toca el piano en la Orquesta del Teatro Musical de La Habana. En 1964 se incorpora a su combo el cantante Amado Borcelá, Guapacha, y juntos abren un nuevo camino en la música popular cubana. Fue como el preámbulo de Irakere, ya que en este combo también estaban Carlos Emilio Morales, guitarra y Paquito D'Rivera, saxo y clarinete. 
En 1972, graba el disco Jazz Batá y después incorpora a su grupo metales y batería, fundando Irakere, el grupo más importante en la historia de la música cubana en la segunda mitad del siglo XX. 
Esta carismática, legendaria, y ya mítica orquesta de jazz estilo New Orleans, nace a mediados de los años 60 cuando un grupo de músicos argentinos se reúnen para actuar en los festivales de jazz de Buenos Aires. 
La incorporación de más músicos permite que la banda decida seguir el estilo que marcaban las grandes orquestas de los años 30, como Duke Ellington, Fletcher Henderson, Chocolate Dandys, Mac Kinney Cotton Pickers… 
En 1975, su primera gira europea abarca países como Francia, Holanda, Italia, Bélgica, Alemania y Suiza, donde obtienen doce distinciones y premios. 
Los músicos de la Porteña Jazz Band han grabado doce LP's, tres CD's y dos discos simples en Argentina, un LP en Francia, dos LP's y cinco CD's en Holanda y siete en Uruguay. 
Diana Krall nació en una familia musical en Nanaimo, British Columbia. Su madre cantaba en la iglesia y su padre, un pianista con gran conocimiento del jazz y de los clásicos del Tin Pan Alley, tenía una enorme colección de discos que acercó a la joven Diana a muchas de las grandes canciones del jazz y del pop, beneficiando así su propio desarrollo musical.
Krall empezó a estudiar piano cuando tenía cuatro años y, más tarde, tocó en la banda de su instituto. Con sólo 15 años, ya tocaba en restaurantes y bares cerca de su pueblo. A los 17 años, ganó una beca del Festival Internacional de Jazz de Vancouver para estudiar en el Berklee College of Music de Boston.
Su carrera discográfica arranca en 1993 con la publicación de su primer álbum Stepping Out que grabó con John Clayton, contrabajo, y Jeff Hamilton, baterista, dos expertos del jazz que se quedarían como colaboradores de Krall durante muchos años.
Escribió la mitad de las doce canciones del disco, con contribuciones de letras de Elvis Costello, su pareja desde 2003. Su transición a escribir canciones originales fue motivada en parte por el fallecimiento de su madre y también por la pérdida de sus mentores Ray Brown y Rosemary Clooney.
Según el propio Gabler, la noche antes de la sesión se reunió con Billie en el Cafe Society y la ayudó a componer el blues de doce compases que denominarían a continuación Fine and Mellow. Al igual que Strange Fruit, este tema permanecería indisolublemente unido a la cantante desde que lo grabó para la Commodore aquel histórico 20 de abril de 1939. 
La autenticidad de la iniciativa estaba garantizada por Nat Hentoff, uno de los más importantes y lúcidos críticos de jazz que hayan existido, quien compartía las labores de producción con Whitney Balliett. El director, Jack Smight, pronto famoso en el ámbito cinematográfico, volcó creatividad y buen gusto en su trabajo. Por otra parte, allí estaban músicos como Thelonious Monk, Count Basie, Jimmy Giuffre, Rex Stewart, Gerry Mulligan, Ben Webster, Henry Red Allen, Coleman Hawkins, Dicky Wells... y Lester Young.
1. Wild Man Blues
Blue Rondo a la Turk
