Cacho Petrello saxos, flauta
Javier Muñoz guitarra
Luis Manzotti batería
Toni Martel piano
Domingo 6 de julio de 2008
Jazz Voyeur Club · 22.30
Palma de Mallorca
Mostrando entradas con la etiqueta jazz. Mostrar todas las entradas
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24/6/08
Cacho Petrello Quartet
Reportaje fotográfico
Cacho Petrello saxos, flauta
Javier Muñoz guitarra
Luis Manzotti batería
Toni Martel piano
Domingo 6 de julio de 2008
Jazz Voyeur Club · 22.30
Palma de Mallorca
Cacho Petrello saxos, flauta
Javier Muñoz guitarra
Luis Manzotti batería
Toni Martel piano
Domingo 6 de julio de 2008
Jazz Voyeur Club · 22.30
Palma de Mallorca
31/5/08
Rahsaan Roland Kirk
Rahsaan Roland Kirk
The One Man Twins
Live Montreux 1972
La edición en dvd de esta actuación del músico de jazz Roland Kirk, excepcional multiintrumenstista, es un trabajo de restauración realizado a partir del master original, por el productor de Atlantic Records, Joel Dorn.
Son ocho temas presentados en el Festival de Jazz de Montreux de 1972, en los que Roland Kirk es acompañado por Ron Burton en piano, Henry Pete Pearson en contrabajo, Robert Shy, batería y Joe Habad Texidor en percusión.
The One Man Twins
Live Montreux 1972
La edición en dvd de esta actuación del músico de jazz Roland Kirk, excepcional multiintrumenstista, es un trabajo de restauración realizado a partir del master original, por el productor de Atlantic Records, Joel Dorn.
Son ocho temas presentados en el Festival de Jazz de Montreux de 1972, en los que Roland Kirk es acompañado por Ron Burton en piano, Henry Pete Pearson en contrabajo, Robert Shy, batería y Joe Habad Texidor en percusión.
22/5/08
Horacio Malvicino Jazz Quinteto · 1964
Horacio Malvicino Jazz Quinteto · 1964
Una audición de radio
Grabación realizada en directo en el Auditorium de Radio Municipal de Buenos Aires, durante la emisión de sus programas en el mes de abril de 1964.
El saxofonista del grupo, Horacio Chivo Borraro, recuerda los detalles de aquellas sesiones en las notas que acompañan esta edición del sello Melopea.
"Cierto día de principios de 1964 suena mi teléfono y al atender el llamado oigo una voz harto conocida.
-Chivo, me llamaron de Radio Municipal para que haga una serie de audiciones de jazz, ¿venís?
Era la voz de Horacio Malvicino. Y ése fue el paso inicial de este cd.
Por ese entonces trabajábamos en Canal 11 (hoy Telefé). Malvicino era director musical del canal y dirigía la orquesta estable. Yo estaba en la fila de saxos y el Oso Picardi y Mojarra Fernández en percusión y contrabajo, respectivamente.
A Horacio yo lo había conocido a los pocos días de su llegada a Buenos Aires, desde Concordia, su ciudad natal. Al poco tiempo ya habíamos trabado una amistad que rápidamente trascendió lo exclusivamente musical. Había venido para estudiar medicina y se costeaba sus estudios con la guitarrra.
(Curiosamente, era lo mismo que yo estaba haciendo con arquitectura y el clarinete). Además de ser un notable músico de jazz, era un virtuoso del instrumento. Por esa época yo me destacaba con el clarinete (el saxo tenor comenzó para mí recién un par de años antes de esta grabación) y fue así que comenzamos a tocar juntos en innumerables jam-sessions, conciertos y grabaciones, en muchos de los cuales se nos unía Lalo Schifrin, que todavía no había partido para EE.UU.
Recuerdo un hecho gracioso de aquellas épocas. Yo vivía, en ese entonces, en la calle Callao, y Malveta (como le decimos sus amigos) tocaba en Radio Belgrano, que quedaba en Posadas y Callao. Cuando yo me enteraba de que tenía audición, salía a mi balcón del cuarto piso y lo veía pasar por la vereda de enfrente rumbo a la radio. Invariablemente miraba para arriba y nos saludábamos con la mano. Pero lo gracioso del asunto es que pasaba con la guitarra envuelta en un trapo (sic), agarrada por el mango y arrastrándola por el piso, como un chico arrastrando su autito de juguete. ¡Qué personaje!, pensaba yo, riéndome al verlo.
Pero volvamos al tema. Horacio pensó que con el Oso y Mojarra ya tenía batería y bajo. Picardi era un percusionista de primera línea que además de tocar jazz incursionaba a menudo en recitales de percusión o de obras clásicas. Mojarra, a su vez, era uno de los músicos más versátiles que he conocido. Aparte de dominar su instrumento, era capaz de tocar bien cualquier cosa, desde una zarzuela hasta un tema de jazz, lo cual no es poco.
La sección rítmica estaba asegurada. Faltaba un pianista. Después de varios cabildeos, le pregunté:
–¿Qué te parece Giacobbe?
–¿Giacobbe? ¡Excelente! –me contestó. Y así fue que Santiago Giacobbe ("el tío", como lo llaman los músicos) se unió al conjunto. Santiago era un excelente pianista, profesor de piano, que alternaba sus clases con recitales y jam-sessions.
Habíamos tocado juntos muchas veces. Era un músico de un gusto exquisito. Y así quedó formado el quinteto. Nos juntamos un par de veces en la casa de nuestro común amigo Carlitos Tarsia –a quien el jazz argentino le debe tanto– para ensayar algunos temas y tocar juntos un poco. Y en lo que se refiere a ensayos, eso fue todo.
Nos encontrábamos en la radio diez minutos antes de la audición, se elegían los temas y "duro y para adelante", como dicen los músicos (no en vano Igor Stravinsky dijo una vez que el mundo de los músicos de jazz era un mundo totalmente diferente al del resto de los músicos). Por suerte no agregó: "Al resto de los músicos normales", aunque posiblemente lo haya pensado.
Todos tocábamos dentro del mismo estilo, nos gustaba el jazz actual, aquel que venía de Gillespie, Parker o Coltrane, entre otros. El estilo al que el jazz de hoy ha regresado (si es que alguna vez se fue) luego de incursiones en el free jazz, y otras formas de música aleatoria.
Es decir que lo que en este disco suena está tan vigente como si se hubiera grabado ayer. De cualquier modo, la última palabra la tienen –como siempre– ustedes, los que compran discos, los que van a conciertos, en fin, aquellos gracias a quienes el artista puede exhibir su obra. Y como siempre nos han aplaudido (por eso es que continuamos tocando), creo que en esta ocasión también nos van a aplaudir, mentalmente, sentados frente a su compactera y con este cd sonando. Gracias.
Y deseo terminar esta nota agradeciendo, en nombre de Horacio Malvicino, el mío y del resto de los músicos, a Julio Alvarez Vieyra, impulsor que hizo posible la concreción de este disco."
Horacio Chivo Borraro
Los temas
1. Misty · Errol Garner
2. Todo lo que tú eres · Jerome Kern
3. Cartas a mi amada · Victor Young
4. Improvisaciones sobre blues
5. 3x4=5 · Horacio Borraro
6. Yesterdays · Jerome Kern
7. Caravan · Tizol-Ellington
8. Abrázame · Duke Ellington
9. Tune Up · Miles Davis
Los músicos
Horacio Malvicino guitarra eléctrica
Horacio Chivo Borraro saxo tenor
Santiago Giacobbe piano
Mario Mojarra Fernández bajo
Rolando Oso Picardi batería
Oscar Alem bajo en tema 9
Locución: Laura Barros
Técnico de grabación: Ernesto Carrillo
Reacondicionamiento digital y masterización: Mario Sobrino
Arte y diseño original: Raúl Peyrás
Producción: Discos Melopea. Buenos Aires 2004.
Material original perteneciente al archivo personal de grabaciones de Julio Alvarez Vieyra realizadas en Buenos Aires entre 1962 y 1965.
Nota del productor
Tuve la suerte a mis 17 años de actuar como sesionista de grabación de la orquesta de Horacio Malvicino ... Es algo inolvidable para mí, porque además de calmar mi fanatismo adolescente por querer estar en cuanta grabación hubiere, fue una precoz experiencia participar con mi guitarra en una sección rítmica potente, que incluía además cuerdas y metales...
Luego tuve la oportunidad de seguir grabando con Horacio, pero haciendo arreglos orquestales para algunos de mis discos personales... Siempre admiré su finura a la hora de arreglar, y también su manera de tocar guitarra... a pesar de que siempre sentí la ausencia de que no registrara álbumes como intérprete del instrumento.
Su discografía es una mixtura de álbumes solistas de característica orquestal con repertorio internacional, y los trabajos como integrante de agrupaciones de Astor Piazzolla. Dos extremos.
¿Dónde está el álbum que nos muestre a Malvicino improvisando a la "viola" en su apogeo y con temas jazzísticos interpretados junto a gente de su talla y generación?
Pues ahora aquí está, señores, este álbum... Horacio Malvicino Quinteto.
Estoy muy feliz con mi obsesión de rescatar las cosas más nobles de la Música Popular Argentina.
Gracias a la iluminada idea de Julio Alvarez Vieyra, que hizo registrar estos momentos.
Los músicos que integran este quinteto tienen todos carta de presentación de lujo... por su trayectoria... por su sensible y original manera de hacer música...
Gracias a todos. Sinceramente,
Litto Nebbia
Una audición de radio
Grabación realizada en directo en el Auditorium de Radio Municipal de Buenos Aires, durante la emisión de sus programas en el mes de abril de 1964.
El saxofonista del grupo, Horacio Chivo Borraro, recuerda los detalles de aquellas sesiones en las notas que acompañan esta edición del sello Melopea.
"Cierto día de principios de 1964 suena mi teléfono y al atender el llamado oigo una voz harto conocida.
-Chivo, me llamaron de Radio Municipal para que haga una serie de audiciones de jazz, ¿venís?
Era la voz de Horacio Malvicino. Y ése fue el paso inicial de este cd.
Por ese entonces trabajábamos en Canal 11 (hoy Telefé). Malvicino era director musical del canal y dirigía la orquesta estable. Yo estaba en la fila de saxos y el Oso Picardi y Mojarra Fernández en percusión y contrabajo, respectivamente. A Horacio yo lo había conocido a los pocos días de su llegada a Buenos Aires, desde Concordia, su ciudad natal. Al poco tiempo ya habíamos trabado una amistad que rápidamente trascendió lo exclusivamente musical. Había venido para estudiar medicina y se costeaba sus estudios con la guitarrra.
(Curiosamente, era lo mismo que yo estaba haciendo con arquitectura y el clarinete). Además de ser un notable músico de jazz, era un virtuoso del instrumento. Por esa época yo me destacaba con el clarinete (el saxo tenor comenzó para mí recién un par de años antes de esta grabación) y fue así que comenzamos a tocar juntos en innumerables jam-sessions, conciertos y grabaciones, en muchos de los cuales se nos unía Lalo Schifrin, que todavía no había partido para EE.UU.
Recuerdo un hecho gracioso de aquellas épocas. Yo vivía, en ese entonces, en la calle Callao, y Malveta (como le decimos sus amigos) tocaba en Radio Belgrano, que quedaba en Posadas y Callao. Cuando yo me enteraba de que tenía audición, salía a mi balcón del cuarto piso y lo veía pasar por la vereda de enfrente rumbo a la radio. Invariablemente miraba para arriba y nos saludábamos con la mano. Pero lo gracioso del asunto es que pasaba con la guitarra envuelta en un trapo (sic), agarrada por el mango y arrastrándola por el piso, como un chico arrastrando su autito de juguete. ¡Qué personaje!, pensaba yo, riéndome al verlo.
Pero volvamos al tema. Horacio pensó que con el Oso y Mojarra ya tenía batería y bajo. Picardi era un percusionista de primera línea que además de tocar jazz incursionaba a menudo en recitales de percusión o de obras clásicas. Mojarra, a su vez, era uno de los músicos más versátiles que he conocido. Aparte de dominar su instrumento, era capaz de tocar bien cualquier cosa, desde una zarzuela hasta un tema de jazz, lo cual no es poco.
La sección rítmica estaba asegurada. Faltaba un pianista. Después de varios cabildeos, le pregunté:
–¿Qué te parece Giacobbe?
–¿Giacobbe? ¡Excelente! –me contestó. Y así fue que Santiago Giacobbe ("el tío", como lo llaman los músicos) se unió al conjunto. Santiago era un excelente pianista, profesor de piano, que alternaba sus clases con recitales y jam-sessions.
Habíamos tocado juntos muchas veces. Era un músico de un gusto exquisito. Y así quedó formado el quinteto. Nos juntamos un par de veces en la casa de nuestro común amigo Carlitos Tarsia –a quien el jazz argentino le debe tanto– para ensayar algunos temas y tocar juntos un poco. Y en lo que se refiere a ensayos, eso fue todo.
Nos encontrábamos en la radio diez minutos antes de la audición, se elegían los temas y "duro y para adelante", como dicen los músicos (no en vano Igor Stravinsky dijo una vez que el mundo de los músicos de jazz era un mundo totalmente diferente al del resto de los músicos). Por suerte no agregó: "Al resto de los músicos normales", aunque posiblemente lo haya pensado. Todos tocábamos dentro del mismo estilo, nos gustaba el jazz actual, aquel que venía de Gillespie, Parker o Coltrane, entre otros. El estilo al que el jazz de hoy ha regresado (si es que alguna vez se fue) luego de incursiones en el free jazz, y otras formas de música aleatoria.
Es decir que lo que en este disco suena está tan vigente como si se hubiera grabado ayer. De cualquier modo, la última palabra la tienen –como siempre– ustedes, los que compran discos, los que van a conciertos, en fin, aquellos gracias a quienes el artista puede exhibir su obra. Y como siempre nos han aplaudido (por eso es que continuamos tocando), creo que en esta ocasión también nos van a aplaudir, mentalmente, sentados frente a su compactera y con este cd sonando. Gracias.
Y deseo terminar esta nota agradeciendo, en nombre de Horacio Malvicino, el mío y del resto de los músicos, a Julio Alvarez Vieyra, impulsor que hizo posible la concreción de este disco."
Horacio Chivo Borraro
Los temas1. Misty · Errol Garner
2. Todo lo que tú eres · Jerome Kern
3. Cartas a mi amada · Victor Young
4. Improvisaciones sobre blues
5. 3x4=5 · Horacio Borraro
6. Yesterdays · Jerome Kern
7. Caravan · Tizol-Ellington
8. Abrázame · Duke Ellington
9. Tune Up · Miles Davis
Los músicos
Horacio Malvicino guitarra eléctrica
Horacio Chivo Borraro saxo tenor
Santiago Giacobbe piano
Mario Mojarra Fernández bajo
Rolando Oso Picardi batería
Oscar Alem bajo en tema 9
Locución: Laura Barros
Técnico de grabación: Ernesto Carrillo
Reacondicionamiento digital y masterización: Mario Sobrino
Arte y diseño original: Raúl Peyrás
Producción: Discos Melopea. Buenos Aires 2004.
Material original perteneciente al archivo personal de grabaciones de Julio Alvarez Vieyra realizadas en Buenos Aires entre 1962 y 1965.
Nota del productor
Tuve la suerte a mis 17 años de actuar como sesionista de grabación de la orquesta de Horacio Malvicino ... Es algo inolvidable para mí, porque además de calmar mi fanatismo adolescente por querer estar en cuanta grabación hubiere, fue una precoz experiencia participar con mi guitarra en una sección rítmica potente, que incluía además cuerdas y metales...
Luego tuve la oportunidad de seguir grabando con Horacio, pero haciendo arreglos orquestales para algunos de mis discos personales... Siempre admiré su finura a la hora de arreglar, y también su manera de tocar guitarra... a pesar de que siempre sentí la ausencia de que no registrara álbumes como intérprete del instrumento.
Su discografía es una mixtura de álbumes solistas de característica orquestal con repertorio internacional, y los trabajos como integrante de agrupaciones de Astor Piazzolla. Dos extremos.
¿Dónde está el álbum que nos muestre a Malvicino improvisando a la "viola" en su apogeo y con temas jazzísticos interpretados junto a gente de su talla y generación?
Pues ahora aquí está, señores, este álbum... Horacio Malvicino Quinteto.
Estoy muy feliz con mi obsesión de rescatar las cosas más nobles de la Música Popular Argentina.
Gracias a la iluminada idea de Julio Alvarez Vieyra, que hizo registrar estos momentos.
Los músicos que integran este quinteto tienen todos carta de presentación de lujo... por su trayectoria... por su sensible y original manera de hacer música...
Gracias a todos. Sinceramente,
Litto Nebbia
13/5/08
Return To Forever · Tour 2008
Return To Forever · Anthology
Chick Corea · Stanley Clarke · Al Di Meola · Lenny White
Chick Corea · Return To Forever · Sao Paulo Jazz Festival 1978
Chick Corea · Stanley Clarke · Al Di Meola · Lenny White
Chick Corea · Return To Forever · Sao Paulo Jazz Festival 1978
Kenny Barron · Jazz Voyeur 2008
El tercer concierto del Festival Jazz Voyeur ya está cerca. El próximo sábado 17, el Conservatorio de Palma es el escenario escogido para la presentación del pianista Kenny Barron, en formato de trío, con Kiyoshi Kitagawa, en contrabajo y Francisco Mela, en batería. También esta vez, como en los dos conciertos anteriores del ciclo habrá, a partir de las 18.30, una master class ó charla informal con preguntas de los asistentes.
El estilo y la trayectoria de Kenny Barron guardan cierta similitud con los de Tommy Flanagan y Hank Jones: ha acompañado a muchos músicos, ha sabido adaptarse a cada contexto con un oficio impresionante y ha desplegado además un talento camaleónico capaz de desalentar cualquier intento de caracterización.
Está en condiciones de acompañar –e improvisar– a lo Herbie Hancock, a lo McCoy Tyner ó a lo Peterson. No obstante, se revela al amparo de Dizzy Gillespie -entre 1962 y 1966- como un verdadero estilista del bebop.
A principios de los años ochenta se convierte en una especie de depositariode determinada tradición del piano-jazz moderno: trabaja especialmente la sonoridad, un desarrollo armónico refinado y fórmulas rítmicas inexploradas, todo ello sin abandonar jamás su profundo arraigo en el swing.
Escucha Round Midnight por Kenny Barron con Ron Carter y Billy Cobham.
El estilo y la trayectoria de Kenny Barron guardan cierta similitud con los de Tommy Flanagan y Hank Jones: ha acompañado a muchos músicos, ha sabido adaptarse a cada contexto con un oficio impresionante y ha desplegado además un talento camaleónico capaz de desalentar cualquier intento de caracterización.
Está en condiciones de acompañar –e improvisar– a lo Herbie Hancock, a lo McCoy Tyner ó a lo Peterson. No obstante, se revela al amparo de Dizzy Gillespie -entre 1962 y 1966- como un verdadero estilista del bebop. A principios de los años ochenta se convierte en una especie de depositariode determinada tradición del piano-jazz moderno: trabaja especialmente la sonoridad, un desarrollo armónico refinado y fórmulas rítmicas inexploradas, todo ello sin abandonar jamás su profundo arraigo en el swing.
Escucha Round Midnight por Kenny Barron con Ron Carter y Billy Cobham.
12/5/08
Santiago Auserón · Mallorca 2008
Santiago Auserón
Original Jazz Orquestra
Tallers de Musics de Barcelona
Casino de Mallorca
10|05|08
Hablar de Santiago Auserón es citar la figura de un trovador eléctrico
contemporáneo, con una esencia fuertemente literaria en sus canciones.
Tras un primer encuentro con motivo de la celebración de los 25 años del Taller de Músics, para la que Enric Palomar realizó un arreglo de La Negra Flor -uno de los temas emblemáticos de Radio Futura-, nació la idea de rehacer los grandes temas de Santiago Auserón, de la etapa de Radio Futura y de la etapa de Juan Perro, con la Original Jazz Orquestra del Taller de Músics de Barcelona. La misma está compuesta por veintidós músicos, que han sido dirigidos para la ocasión por el propio Enric Palomar, responsable también de catorce brillantes y sugestivos arreglos.
Santiago Auserón se interna con decisión en la aventura de redefinir su prestigiosa trayectoria como escritor de canciones, con la ayuda de una banda de jóvenes músicos que interpretan con aliento e inspiración un repertorio del que se sienten especialmente cómplices, bajo la dirección de un maestro experto y refinado, que ha abierto hueco en su dedicación sinfónica y operística para hacer constar su afecto por la música popular de nuestros días.
Todos ellos disfrutan del riesgo creativo que supone el proyecto y saben como hacer participar al público del mismo placer.
El Taller de Músics de Barcelona, nunca ha interrumpido a lo largo de su existencia la tradición de mantener en activo una Big Band, pasando por diferentes etapas y directores.Actualmente trabajan con repertorios de autor y colaboraciones de compositores como Joan Albert Amargós, Enric Palomar y Xavier Maristany.
Todos ellos han aportado material propio para incluirlo en el repertorio de la orquesta, el cual ha ayudado en gran manera a conseguir un alto nivel artístico y una sonoridad propia.
Fuente: La Huella Sonora.com
Santiago Auserón · Veneno en la piel
Original Jazz Orquestra · Taller de Músics
Albert Bartolomé, saxo alto.
Marcel·lí Bayer, saxo alto, flauta, clarinete.
Cristian Serret, saxo tenor, flauta
Albert Bendicho, saxo tenor, clarinete
Dani Molina, saxo barítono.
Jaume Torné, Xavi de la Salud, Roger Santiago y Jordi Fontanillas,
trompetas, flugelhorn.
Xavi Banegas, Aram Montagut, Eduard Prats y Vicent Tur, trombones.
Ignasi Cusó, guitarras.
Vicens Martín, guitarras y dirección.
Roger Mas, piano, teclados.
Isaac Coll, bajo eléctrico.
Rubén Berengena, batería.
Roger Blavia y Pablo Posa, percusión.
María Lorea y Olga Pes, coros.
Enric Palomar, piano, arreglos orquestales.
Escucha a Santiago Auserón con la Original Jazz Orquestra
2/5/08
German Brass · Mallorca 2008
El Festival de Pollensa, que se celebra en Mallorca desde hace cuarenta y seis años, incluye en su programación no sólo música clásica: este año están previstos conciertos de Roger Hodgson (ex-Supertramp), Michel Camilo, Craig Adams & The Voices of New Orleans, y la impresionante German Brass, una orquesta constituída exclusivamente por metales. La cita es el 27 de agosto, en el Claustro de Santo Domingo, en Pollensa.
La German Brass está considerada como una de las orquestas más importantes del llamado movimiento brass.
El grupo, que desde 1984 realiza actuaciones no sólo en su país, Alemania, sino que además se presenta en escenarios de todo el mundo, reúne en su repertorio tanto música clásica como música popular de los más variados estilos, entre ellos el jazz.
Entre sus integrantes, solistas de las más renombradas orquestas alemanas, se encuentra el compositor uruguayo Enrique Crespo, trombón solista de la Sinfónica de Bamberg y de la Radio de Stuttgart.
Músicos German Brass
Matthias Höfs trompeta
Solista Hamburg Philharmonic. Profesor en la Facultad de Música de Hamburgo. Arreglador de German Brass.
Uwe Köller trompeta
Solista en la ópera del estado de Berlin. Profesor de la Universidad de Música de Graz, Austria.
Werner Heckmann trompeta
Solista de la Orquesta de la Ópera del estado de Suavia en Stuttgart.
Christoph Baerwind trompeta
Wolfgang Gaag corno
Solista en las orquestas sinfónicas de Bamberg, de la radio de Stuttgart y de la Filarmónica de Munich. Profesor de la Universidad de Música de Munich.
Klaus Wallendorf corno
Stefan Ambrosius tuba
Enrique Crespo trombón
Solista de la Sinfónica de Bamberg y de la Radio de Stuttgart (SWR).
Uwe Füssel trombón bajo
Solista de la Orquesta de la Ópera del estado de Baviera en Munich Walter Hilgers. Tubista de la Filarmónica de Hamburgo y de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Hamburgo (NDR). Profesor de tuba y música de cámara en la Universidad de Música de Weimar.
Alexander Erbrich Crawford trombón
Director, arreglador y compositor de German Brass, trombón de la Orquesta de la Ópera del estado de Suavia en Stuttgart.
29/4/08
Blues For 2 · 1982
Zoot Sims & Joe Pass · Blues For 2 · 1982
Blues For 2
Joe Pass
La guitarra y el saxo tenor han sido siempre una buena combinación.
Creo que, al estar en el mismo registro, mezclan bien, y forman un sonido melodioso.
Esta combinación ha sido la base de muchos grupos pequeños: Stan Getz y Jimmy Raney; Jim Hall y Sonny Rollins; Paul Desmond y Ed Bickert, por nombrar unos pocos.
En los 40 y los 50, el saxo tenor era muy popular entre los músicos de jazz jóvenes, a causa de la proliferación de las grandes orquestas que hacían giras, y a la popularidad de los artistas que estaban en ellas, sobre todo los Brothers de Woody Herman, Zoot Sims, Stan Getz, Jimmy Giuffre, Herbie Steward..., y también Allen Eager, Vido Musso, Flip Phillips y muchos más.
Me acuerdo que yo era entonces un joven intérprete a la busca del tenor adecuado, uno que tuviera un sonido bueno y lleno, conocimiento innato de la armonía, comprensión del valor de la melodía, y sentido del tempo o swing. Un músico que tiene todos esos atributos es Zoot Sims. Cuando Norman Granz sugirió que Zoot y yo grabáramos juntos de nuevo (ya lo habíamos hecho antes, con Oscar Peterson), me puse a buscar una idea hasta que Norman dijo: "Dúo". Esto me pareció entonces algo poco usual para mí, porque yo no procedo de la escuela de guitarristas rítmicos de cuatro golpes al compás.
Fuimos a los estudios RCA una lluviosa tarde de sábado y elegimos las canciones más o menos al azar: Zoot escogió unas cuantas, Norman y yo otras.
Me preocupaba el acompañamiento, porque podía resultar algo vacío tocar sin guitarra rítmica, o sin bajo ni batería. Pero Zoot me quitó pronto ese escrúpulo; cuando le pregunté cómo quería que le acompañara, me dijo: "Toca como te parezca". Suficiente para la cuestión.
Zoot Sims es para mí uno de los últimos saxofonistas naturales de jazz. Sus interpretaciones de la música de los grandes autores americanos son eminentes, la esencia de lo que llamamos jazz.
El tiempo que nos llevó este álbum fue el usual: una o dos tomas, y a casa. Para mí fue un placer, y espero que también lo sea para ustedes.
Joe Pass
Blues For 2 · Ficha Técnica
Blues For 2 · 4.53
Dindi · 4.15
Remember · 5.30
Poor Butterfly · 4.52
(What Did I Do To Be So) Black And Blue · 5.57
Pennies From Heaven · 7.20
I Hadn't Anyone Till You · 5.50
Takeoff · 4.10
Zoot Sims saxo
Joe Pass guitarra
Producción: Norman Granz.
Fotos: Phil Stern.
Diseño Album: Norman Granz-Sheldon Marks.
Grabación: RCA Studios. Nueva York.
6 marzo / 23 junio 1982.
Ingeniero: Mike Moran.
Pablo Records.
Blues For 2
Joe Pass
La guitarra y el saxo tenor han sido siempre una buena combinación.
Creo que, al estar en el mismo registro, mezclan bien, y forman un sonido melodioso.
Esta combinación ha sido la base de muchos grupos pequeños: Stan Getz y Jimmy Raney; Jim Hall y Sonny Rollins; Paul Desmond y Ed Bickert, por nombrar unos pocos.
En los 40 y los 50, el saxo tenor era muy popular entre los músicos de jazz jóvenes, a causa de la proliferación de las grandes orquestas que hacían giras, y a la popularidad de los artistas que estaban en ellas, sobre todo los Brothers de Woody Herman, Zoot Sims, Stan Getz, Jimmy Giuffre, Herbie Steward..., y también Allen Eager, Vido Musso, Flip Phillips y muchos más.
Me acuerdo que yo era entonces un joven intérprete a la busca del tenor adecuado, uno que tuviera un sonido bueno y lleno, conocimiento innato de la armonía, comprensión del valor de la melodía, y sentido del tempo o swing. Un músico que tiene todos esos atributos es Zoot Sims. Cuando Norman Granz sugirió que Zoot y yo grabáramos juntos de nuevo (ya lo habíamos hecho antes, con Oscar Peterson), me puse a buscar una idea hasta que Norman dijo: "Dúo". Esto me pareció entonces algo poco usual para mí, porque yo no procedo de la escuela de guitarristas rítmicos de cuatro golpes al compás.Fuimos a los estudios RCA una lluviosa tarde de sábado y elegimos las canciones más o menos al azar: Zoot escogió unas cuantas, Norman y yo otras.
Me preocupaba el acompañamiento, porque podía resultar algo vacío tocar sin guitarra rítmica, o sin bajo ni batería. Pero Zoot me quitó pronto ese escrúpulo; cuando le pregunté cómo quería que le acompañara, me dijo: "Toca como te parezca". Suficiente para la cuestión.
Zoot Sims es para mí uno de los últimos saxofonistas naturales de jazz. Sus interpretaciones de la música de los grandes autores americanos son eminentes, la esencia de lo que llamamos jazz.
El tiempo que nos llevó este álbum fue el usual: una o dos tomas, y a casa. Para mí fue un placer, y espero que también lo sea para ustedes.
Joe Pass
Blues For 2 · Ficha Técnica
Blues For 2 · 4.53
Dindi · 4.15
Remember · 5.30
Poor Butterfly · 4.52
(What Did I Do To Be So) Black And Blue · 5.57
Pennies From Heaven · 7.20
I Hadn't Anyone Till You · 5.50
Takeoff · 4.10
Zoot Sims saxo
Joe Pass guitarra
Producción: Norman Granz.
Fotos: Phil Stern.
Diseño Album: Norman Granz-Sheldon Marks.
Grabación: RCA Studios. Nueva York.
6 marzo / 23 junio 1982.
Ingeniero: Mike Moran.
Pablo Records.
26/4/08
Softly As A Summer Breeze · 1965
Jimmy Smith · Softly As A Summer Breeze · 1965
The Incredible Jimmy Smith
Leonard Feather
Los grandes hombres en cualquier arte se distinguen fácilmente del común de los mortales. Ellos van a la cabeza, llevan la voz cantante; los otros sólo saben seguir.
Jimmy Smith ha sido un líder, en más de un aspecto, desde septiembre de 1955. Aquél fue el mes en que Jimmy formó su propio trío; pocos meses más tarde, cuando su primer LP Blue Note fue lanzado, se transformó en el líder no solamente de un trío, sino de un nuevo movimiento musical.
Impuso una nueva forma de improvisar al órgano eléctrico, un concepto nuevo para pequeñas formaciones de jazz, y una nueva práctica adoptada por los dueños de cientos de cocktail-bars, clubes, cafés y demás locales del género a través de Estados Unidos. Si no les era posible contratar a Jimmy Smith con su guitarrista y su batería, buscarían otro organista acompañado de guitarrista y batería. Esto se transformó en un fenómeno general y constituyó la forma más sincera de elogio para el creador original de esta fórmula musical.
Jimmy Smith. Dos nombres sencillos, directos, para un estilo directo. En este sentido parecen totalmente apropiados. No sería lógico que ustedes esperaran oír el mismo tipo de sonidos o de música viniendo de un hombre que se llamara, por ejemplo, Horace Seymour, o incluso Jymmy Smythe.
En este álbum, encontramos una faceta de la personalidad de Jimmy que me ha parecido siempre particularmente atractiva: una forma de tocar tranquila y, sin embargo, llena de intenso dinamismo, interpretando canciones populares de fama bien establecida a lo largo de los años, especialmente las baladas que predominan en la elección del material musical.
En cuatro de las seis selecciones grabadas por Jimmy en este LP le acompañan Kenny Burrell y Philly Joe Jones, ambos viejos amigos del organista. Kenny ha sido acompañado de Smith en otras ocasiones, notablemente cuando grabaron el LP Back At The Chicken Shack.
Philly Joe, aun cuando nunca fue miembro del trío de Smith, ha sido amigo de él desde hace tantos años, que su memoria no alcanza a recordar la fecha exacta en que su amistad empezó.
"Creo que cuando nos conocimos, yo debía tener alrededor de diez años y Jimmy ocho, dice Philly. No íbamos al mismo colegio, pero nos criamos en el mismo barrio de Philadelphia, y le recuerdo perfectamente como siendo ya un excelente pianista.
Aun cuando no trabajábamos juntos oficialmente, él solía venir por las noches a sentarse con nosotros en los clubes donde yo trabajaba, o bien nos íbamos a tocar juntos después de nuestros respectivos trabajos.
Recuerdo haberle oído probar un órgano poco tiempo antes de que él decidiera que ésta era su verdadera vocación. Jimmy no ha cambiado básicamente, aun cuando, por supuesto, su control del instrumento es mayor que nunca.
Supongo que usted ha oído hablar de cómo cada Navidad, si consigue ir a pasarla a Philadelphia, se va a tocar villancicos en el viejo órgano tubular de Wanamaker.
Es un organista de verdad, no hay truco. No hace falta que sea un órgano electrónico; consigue sacar sonidos de cualquier cosa".
La atmósfera dominante del álbum se establece, desde el principio, en la pieza These Foolish Things. Esta es una canción inglesa que llegó a los Estados Unidos como un éxito pop en el año 1936 (imaginen ustedes una balada de este calibre llegando tan alto en las listas de ventas como pueden llegar hoy las canciones de Los Beatles), y que muy pronto se transformó en parte del repertorio habitual standard de los músicos en Estados Unidos.
Observen las suaves y sostenidas notas que Jimmy deja flotar en el fondo apoyando la delicada exposición de la melodía por Kenny Burrell; también no pierdan de vista el eficaz trabajo de escobillas que Philly Joe coloca como acompañamiento al solo de Jimmy durante el segundo chorus.
Hackensack (también conocido en los años 40 como Rifftide) es un tema de Thelonious Monk construido sobre las armonías de la tradicional sucesión de acordes del tema Lady Be Good. Tras la exposición del tema tenemos la oportunidad de ver, durante tres chorus, la habilidad, la fluidez y la originalidad de Kenny Burrell como solista.
Jimmy llega a continuación interpretando un solo cuidadosamente construido. Observen la humorística cita con sabor a minueto al principio del primer chorus, la intensidad que aumenta gradualmente durante el segundo, el swing impecable del tercero y la excelente contribución de Philly al dinamismo general que domina el cuarto chorus. Un par de chorus de intercambios de cuatro compases entre Philly alternando con Kenny y Jimmy, precede la reexposición del tema.
lt Could Happen To You es una de las primeras y más populares baladas compuestas por Johnny Burke y Jimmy Van Heusen, allá por el año 1944. Una vez más Kenny lleva la parte estelar en la exposición de la melodía, pero esta vez Jimmy le releva en la segunda mitad. Observen cómo Jimmy "se pega" al tema durante los primeros 16 compases y cómo hace suavemente la transición entre la paráfrasis inicial y la improvisación totalmente libre del chorus siguiente, con Kenny proporcionando un flexible soporte de acordes. A continuación el solo de Burrell se desarrolla suave como la brisa.
Sometimes I'm Happy es una composición de Vincent Youmans de 1925 (el mismo año en que nació Jimmy). Ha sido utilizada por los músicos de jazz durante sus cuarenta años de existencia como uno de los standards más populares. El tempo aquí es moderado, e incluso suficientemente lento como para permitirle a Philly Joe insertar un poco de acompañamiento a doble tiempo durante el solo de Jimmy.
Someone To Watch Over Me es una canción que Gershwin compuso en 1926. En este tema y en el siguiente, el trío tiene distintos componentes a los de los anteriores, aun cuando los instrumentos son los mismos, trayéndonos de nuevo a dos hombres que se ganaron una fama muy merecida como miembros permanentes del grupo de Jimmy en sus principios: el guitarrista Eddie McFadden y el batería Donald Bailey.
La forma que tiene Jimmy de respaldar el solo de Eddie durante la exposición del tema por éste, me recuerda la expresión armonía de órgano, que se solía utilizar para designar lo que hacían las cuerdas de saxofones al respaldar un solo de trompeta u otros recursos utilizados en este sentido por las grandes orquestas de la época del swing. En este preciso caso, por supuesto, el sucedáneo de armonía de órgano no es necesario, ya que Jimmy nos proporciona algo realmente auténtico.
En Home Cookin' la composición de Horace Silver, el increíblemente rápido trabajo de pedales y el swing contagioso de sus líneas melódicas improvisadas nos dan, una vez más, la ocasión de recordar las cualidades que han hecho establecer su fama como el gran jefe de todos los organistas. No es un tema de rapidez espectacular, pero tenemos a Jimmy presente durante toda la interpretación y el interés y la tensión no decaen un solo momento.
Hablando el otro día con Philly Joe y recordando detalles sobre el fenómeno Jimmy Smith, hice el comentario de que pocos músicos de nuestros tiempos han tenido una influencia tan profunda en los demás. Philly Joe me contestó con una observación particularmente acertada.
"No diga solamente que fue una influencia, precisó, recuerde a la gente algo más importante: ha sido una verdadera inspiración".
Aquí, en estas seis fabulosas interpretaciones de Jimmy Smith, ustedes encontrarán la evidencia renovada de lo que Philly Joe quería decir. Jimmy Smith siempre ha sido una inspiración para todos nosotros.
Leonard Feather
Autor de The Encyclopedia Of Jazz
Softly as a Summer Breeze
01. These Foolish Things
02. Hackensack
03. It Could Happen To You
04. Sometimes I'm Happy
05. Someone To Watch Over Me*
06. One For Philly Joe*
Jimmy Smith organ, Kenny Burrel guitar, Philly Joe Jones drums
*Eddie McFadden guitar, Donald Bailey drums
07. Wilow Weep For Me**
08. Ain't No Use**
09. Angel Eyes**
10. Ain't That Love**
**Bill Henderson vocal, Ray Crawford guitar, Donald Bailey drums
En España, este álbum se publicó bajo el título The Incredible Jimmy Smith, eliminando el original Softly As A Summer Breeze.
La selección de temas que incluye la primera edición del LP, se grabó el 26 de febrero de 1958, en el estudio Manhattan Towers de New York, con Rudy Van Gelder como ingeniero de grabación.
En otra sesión, del 14 de octubre del mismo año, esta vez en casa de Van Gelder, en Hackensack, New Jersey, se registraron cuatro temas más, con el vocalista Bill Henderson, el guitarrista Ray Crawford y Donald Bailey a la batería.
Son recuperados por Blue Note en la edición en CD de 1998. Una nueva reedición, remasterizada aparece en 2006.
CoverArtWorld 2008
The Incredible Jimmy Smith
Leonard Feather
Los grandes hombres en cualquier arte se distinguen fácilmente del común de los mortales. Ellos van a la cabeza, llevan la voz cantante; los otros sólo saben seguir.
Jimmy Smith ha sido un líder, en más de un aspecto, desde septiembre de 1955. Aquél fue el mes en que Jimmy formó su propio trío; pocos meses más tarde, cuando su primer LP Blue Note fue lanzado, se transformó en el líder no solamente de un trío, sino de un nuevo movimiento musical.
Impuso una nueva forma de improvisar al órgano eléctrico, un concepto nuevo para pequeñas formaciones de jazz, y una nueva práctica adoptada por los dueños de cientos de cocktail-bars, clubes, cafés y demás locales del género a través de Estados Unidos. Si no les era posible contratar a Jimmy Smith con su guitarrista y su batería, buscarían otro organista acompañado de guitarrista y batería. Esto se transformó en un fenómeno general y constituyó la forma más sincera de elogio para el creador original de esta fórmula musical.Jimmy Smith. Dos nombres sencillos, directos, para un estilo directo. En este sentido parecen totalmente apropiados. No sería lógico que ustedes esperaran oír el mismo tipo de sonidos o de música viniendo de un hombre que se llamara, por ejemplo, Horace Seymour, o incluso Jymmy Smythe.
En este álbum, encontramos una faceta de la personalidad de Jimmy que me ha parecido siempre particularmente atractiva: una forma de tocar tranquila y, sin embargo, llena de intenso dinamismo, interpretando canciones populares de fama bien establecida a lo largo de los años, especialmente las baladas que predominan en la elección del material musical.
En cuatro de las seis selecciones grabadas por Jimmy en este LP le acompañan Kenny Burrell y Philly Joe Jones, ambos viejos amigos del organista. Kenny ha sido acompañado de Smith en otras ocasiones, notablemente cuando grabaron el LP Back At The Chicken Shack.
Philly Joe, aun cuando nunca fue miembro del trío de Smith, ha sido amigo de él desde hace tantos años, que su memoria no alcanza a recordar la fecha exacta en que su amistad empezó."Creo que cuando nos conocimos, yo debía tener alrededor de diez años y Jimmy ocho, dice Philly. No íbamos al mismo colegio, pero nos criamos en el mismo barrio de Philadelphia, y le recuerdo perfectamente como siendo ya un excelente pianista.
Aun cuando no trabajábamos juntos oficialmente, él solía venir por las noches a sentarse con nosotros en los clubes donde yo trabajaba, o bien nos íbamos a tocar juntos después de nuestros respectivos trabajos.
Recuerdo haberle oído probar un órgano poco tiempo antes de que él decidiera que ésta era su verdadera vocación. Jimmy no ha cambiado básicamente, aun cuando, por supuesto, su control del instrumento es mayor que nunca.
Supongo que usted ha oído hablar de cómo cada Navidad, si consigue ir a pasarla a Philadelphia, se va a tocar villancicos en el viejo órgano tubular de Wanamaker.
Es un organista de verdad, no hay truco. No hace falta que sea un órgano electrónico; consigue sacar sonidos de cualquier cosa".
La atmósfera dominante del álbum se establece, desde el principio, en la pieza These Foolish Things. Esta es una canción inglesa que llegó a los Estados Unidos como un éxito pop en el año 1936 (imaginen ustedes una balada de este calibre llegando tan alto en las listas de ventas como pueden llegar hoy las canciones de Los Beatles), y que muy pronto se transformó en parte del repertorio habitual standard de los músicos en Estados Unidos. Observen las suaves y sostenidas notas que Jimmy deja flotar en el fondo apoyando la delicada exposición de la melodía por Kenny Burrell; también no pierdan de vista el eficaz trabajo de escobillas que Philly Joe coloca como acompañamiento al solo de Jimmy durante el segundo chorus.
Hackensack (también conocido en los años 40 como Rifftide) es un tema de Thelonious Monk construido sobre las armonías de la tradicional sucesión de acordes del tema Lady Be Good. Tras la exposición del tema tenemos la oportunidad de ver, durante tres chorus, la habilidad, la fluidez y la originalidad de Kenny Burrell como solista.
Jimmy llega a continuación interpretando un solo cuidadosamente construido. Observen la humorística cita con sabor a minueto al principio del primer chorus, la intensidad que aumenta gradualmente durante el segundo, el swing impecable del tercero y la excelente contribución de Philly al dinamismo general que domina el cuarto chorus. Un par de chorus de intercambios de cuatro compases entre Philly alternando con Kenny y Jimmy, precede la reexposición del tema.
lt Could Happen To You es una de las primeras y más populares baladas compuestas por Johnny Burke y Jimmy Van Heusen, allá por el año 1944. Una vez más Kenny lleva la parte estelar en la exposición de la melodía, pero esta vez Jimmy le releva en la segunda mitad. Observen cómo Jimmy "se pega" al tema durante los primeros 16 compases y cómo hace suavemente la transición entre la paráfrasis inicial y la improvisación totalmente libre del chorus siguiente, con Kenny proporcionando un flexible soporte de acordes. A continuación el solo de Burrell se desarrolla suave como la brisa.Sometimes I'm Happy es una composición de Vincent Youmans de 1925 (el mismo año en que nació Jimmy). Ha sido utilizada por los músicos de jazz durante sus cuarenta años de existencia como uno de los standards más populares. El tempo aquí es moderado, e incluso suficientemente lento como para permitirle a Philly Joe insertar un poco de acompañamiento a doble tiempo durante el solo de Jimmy.
Someone To Watch Over Me es una canción que Gershwin compuso en 1926. En este tema y en el siguiente, el trío tiene distintos componentes a los de los anteriores, aun cuando los instrumentos son los mismos, trayéndonos de nuevo a dos hombres que se ganaron una fama muy merecida como miembros permanentes del grupo de Jimmy en sus principios: el guitarrista Eddie McFadden y el batería Donald Bailey.
La forma que tiene Jimmy de respaldar el solo de Eddie durante la exposición del tema por éste, me recuerda la expresión armonía de órgano, que se solía utilizar para designar lo que hacían las cuerdas de saxofones al respaldar un solo de trompeta u otros recursos utilizados en este sentido por las grandes orquestas de la época del swing. En este preciso caso, por supuesto, el sucedáneo de armonía de órgano no es necesario, ya que Jimmy nos proporciona algo realmente auténtico.En Home Cookin' la composición de Horace Silver, el increíblemente rápido trabajo de pedales y el swing contagioso de sus líneas melódicas improvisadas nos dan, una vez más, la ocasión de recordar las cualidades que han hecho establecer su fama como el gran jefe de todos los organistas. No es un tema de rapidez espectacular, pero tenemos a Jimmy presente durante toda la interpretación y el interés y la tensión no decaen un solo momento.
Hablando el otro día con Philly Joe y recordando detalles sobre el fenómeno Jimmy Smith, hice el comentario de que pocos músicos de nuestros tiempos han tenido una influencia tan profunda en los demás. Philly Joe me contestó con una observación particularmente acertada.
"No diga solamente que fue una influencia, precisó, recuerde a la gente algo más importante: ha sido una verdadera inspiración".
Aquí, en estas seis fabulosas interpretaciones de Jimmy Smith, ustedes encontrarán la evidencia renovada de lo que Philly Joe quería decir. Jimmy Smith siempre ha sido una inspiración para todos nosotros.
Leonard Feather
Autor de The Encyclopedia Of Jazz
Softly as a Summer Breeze01. These Foolish Things
02. Hackensack
03. It Could Happen To You
04. Sometimes I'm Happy
05. Someone To Watch Over Me*
06. One For Philly Joe*
Jimmy Smith organ, Kenny Burrel guitar, Philly Joe Jones drums
*Eddie McFadden guitar, Donald Bailey drums
07. Wilow Weep For Me**
08. Ain't No Use**
09. Angel Eyes**
10. Ain't That Love**
**Bill Henderson vocal, Ray Crawford guitar, Donald Bailey drums
En España, este álbum se publicó bajo el título The Incredible Jimmy Smith, eliminando el original Softly As A Summer Breeze.
La selección de temas que incluye la primera edición del LP, se grabó el 26 de febrero de 1958, en el estudio Manhattan Towers de New York, con Rudy Van Gelder como ingeniero de grabación.
En otra sesión, del 14 de octubre del mismo año, esta vez en casa de Van Gelder, en Hackensack, New Jersey, se registraron cuatro temas más, con el vocalista Bill Henderson, el guitarrista Ray Crawford y Donald Bailey a la batería.
Son recuperados por Blue Note en la edición en CD de 1998. Una nueva reedición, remasterizada aparece en 2006.
CoverArtWorld 2008
24/4/08
Ron Carter · Mallorca 2008
Conservatorio de Palma
23 de abril
Jazz Voyeur Festival 2008
Ron Carter contrabajo Stephen Scott piano
Payton Crossley batería Rolando Morales Matos percusión
En la Biblioteca del Conservatorio, por la tarde, Ron Carter mantuvo una interesante y animada conversación -Questions & Answers- con parte del público que luego asistiría al concierto. Al finalizar, el músico aceptó la invitación de un grupo de alumnos del Conservatorio aportando su firma a la propuesta de creación de una Escuela de Jazz dentro de dicha institución.
El periodista y crítico de jazz Juan Claudio Cifuentes, se encargó de la presentación del cuarteto haciendo referencia a la extensa trayectoria de Ron Carter, al que definió como uno de los más grandes contrabajistas de la historia del jazz.
Entradas relacionadas:
Ron Carter · Jazz Voyeur 2008
Ron Carter · Marseille 2007
23 de abril
Jazz Voyeur Festival 2008
Ron Carter contrabajo Stephen Scott piano
Payton Crossley batería Rolando Morales Matos percusión
En la Biblioteca del Conservatorio, por la tarde, Ron Carter mantuvo una interesante y animada conversación -Questions & Answers- con parte del público que luego asistiría al concierto. Al finalizar, el músico aceptó la invitación de un grupo de alumnos del Conservatorio aportando su firma a la propuesta de creación de una Escuela de Jazz dentro de dicha institución.
El periodista y crítico de jazz Juan Claudio Cifuentes, se encargó de la presentación del cuarteto haciendo referencia a la extensa trayectoria de Ron Carter, al que definió como uno de los más grandes contrabajistas de la historia del jazz.
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18/4/08
16/4/08
Jam Session en Palma de Mallorca
Jam Sessions en Blue Jazz Club
Hotel Saratoga · Palma de Mallorca
Geoff Frosell, trombonista británico afincado en Mallorca desde hace muchos años, infatigable promotor de eventos jazzísticos, ha hecho llegar a este blog la buena noticia que se transcribe a continuación.
Después del éxito obtenido con las Jam Sessions realizadas en el Club Náutico de Palma durante el año 2007, músicos y fans del jazz, han estado buscando un lugar idóneo para continuar con esta tradición.
Geoff Frosell, líder del Palma Jazz Quartet y el Blue Note Quintet, ha acordado con el director del Hotel Saratoga para empezar con las Jam Sessions todos los lunes de Mayo en el Blue Jazz Club.
Las sesiones empezarán el lunes 5 de mayo. De las 20.30 a las 21.00 habrá un pequeño concierto del grupo Palma Jazz Quartet y seguidamente empezará la Jam Session, donde los músicos están invitados a tocar.
Dispondrán de piano, batería, amplificación y micrófonos. Los baterías solo tendrán que llevar sus platos y palos y los vocalistas sus partituras para piano y bajo.
Los miembros del Palma Jazz Quartet, estarán para ayudar a la organización y tocar si se requiere.
El Blue Jazz Club, esta situado en la 7ª planta del Hotel Saratoga, en el Paseo Mallorca Nº 6 de esta Ciudad.
Ha sido descrito por la crítica como uno de los mejores Clubs de Jazz de España y es un lugar agradable, donde los músicos se reúnen para tocar en público y dar a conocer la nueva generación de músicos de jazz.
Además de ser normalmente un bar, el Blue Jazz Club, ofrece una variada carta.
Para reservar mesa los días de las actuaciones llamar al 971 727240.
La entrada es gratuita.
Geoff Frosell
15.04.08
¿Qué es una Jam Session?
Recurrimos al Diccionario del Jazz de Carles, Clergeat y Comolli, para informarnos con más detalle acerca del significado de éste término.
Jam-session (del verbo to jam; apretar, atestar).
Expresión de origen misterioso aparecida en los años 30 y que, en el argot de los jazzmen, designaba a una reunión de músicos que no trabajaban habitualmente juntos y que, sin líder, programa definido ni partituras, improvisaban a partir de temas o de estructuras armónicas conocidas por todos; lo que supone, si no un mínimo de parentesco estilístico, sí al menos el deseo de tocar juntos.
Una jam-session, una jam o un boeuf en francés, está constituida generalmente por una sucesión de solos (a menudo con el mismo instrumento, con el elemento competitivo como favorecedor del desfile de trompetistas, de saxofonistas, o incluso de pianistas) encuadrados por arreglos (orales-head arrangements) y de riffs sumarios, sostenidos por backgrounds espontáneos, en una relación solista(s)-masa orquestal, comparable a la de un concierto o concerto grosso.
Una jam session, que tiene lugar fuera del horario de trabajo habitual (after hours) –a diferencia de un concierto o de una sesión de grabación en estudio- se supone que ofrece a los músicos, sin límite de tiempo, la posibilidad de improvisar con toda libertad, de confrontar técnicas, estilos e ideas, de arriesgar o de probar ciertas innovaciones.
Además, las jam, por principio subvertían las reglas del negocio de la música en la medida en que los instrumentistas jóvenes o poco conocidos podían, de forma ideal, tocar en compañía de las glorias reconocidas.
Aunque también se pueden organizar con fines comerciales, en concierto, club o estudio de grabación. Han quedado en la historia del jazz, las maratonianas jam organizadas por el productor Norman Granz, bajo la denominación Jazz At The Philarmonic (JATP).
Las premisas sindicales, a finales de los años cuarenta, y la multiplicación de estilos y tendencias dieron fin a esta tradición de la música negro-americana que, de forma secreta e imprevisible, resucitará con ocasión de ciertos encuentros free.
Hotel Saratoga · Palma de Mallorca
Geoff Frosell, trombonista británico afincado en Mallorca desde hace muchos años, infatigable promotor de eventos jazzísticos, ha hecho llegar a este blog la buena noticia que se transcribe a continuación.
Después del éxito obtenido con las Jam Sessions realizadas en el Club Náutico de Palma durante el año 2007, músicos y fans del jazz, han estado buscando un lugar idóneo para continuar con esta tradición.
Geoff Frosell, líder del Palma Jazz Quartet y el Blue Note Quintet, ha acordado con el director del Hotel Saratoga para empezar con las Jam Sessions todos los lunes de Mayo en el Blue Jazz Club.
Las sesiones empezarán el lunes 5 de mayo. De las 20.30 a las 21.00 habrá un pequeño concierto del grupo Palma Jazz Quartet y seguidamente empezará la Jam Session, donde los músicos están invitados a tocar.
Dispondrán de piano, batería, amplificación y micrófonos. Los baterías solo tendrán que llevar sus platos y palos y los vocalistas sus partituras para piano y bajo.
Los miembros del Palma Jazz Quartet, estarán para ayudar a la organización y tocar si se requiere.
El Blue Jazz Club, esta situado en la 7ª planta del Hotel Saratoga, en el Paseo Mallorca Nº 6 de esta Ciudad.
Ha sido descrito por la crítica como uno de los mejores Clubs de Jazz de España y es un lugar agradable, donde los músicos se reúnen para tocar en público y dar a conocer la nueva generación de músicos de jazz.
Además de ser normalmente un bar, el Blue Jazz Club, ofrece una variada carta.
Para reservar mesa los días de las actuaciones llamar al 971 727240.
La entrada es gratuita.
Geoff Frosell
15.04.08
¿Qué es una Jam Session?
Recurrimos al Diccionario del Jazz de Carles, Clergeat y Comolli, para informarnos con más detalle acerca del significado de éste término.
Jam-session (del verbo to jam; apretar, atestar).
Expresión de origen misterioso aparecida en los años 30 y que, en el argot de los jazzmen, designaba a una reunión de músicos que no trabajaban habitualmente juntos y que, sin líder, programa definido ni partituras, improvisaban a partir de temas o de estructuras armónicas conocidas por todos; lo que supone, si no un mínimo de parentesco estilístico, sí al menos el deseo de tocar juntos.
Una jam-session, una jam o un boeuf en francés, está constituida generalmente por una sucesión de solos (a menudo con el mismo instrumento, con el elemento competitivo como favorecedor del desfile de trompetistas, de saxofonistas, o incluso de pianistas) encuadrados por arreglos (orales-head arrangements) y de riffs sumarios, sostenidos por backgrounds espontáneos, en una relación solista(s)-masa orquestal, comparable a la de un concierto o concerto grosso.
Una jam session, que tiene lugar fuera del horario de trabajo habitual (after hours) –a diferencia de un concierto o de una sesión de grabación en estudio- se supone que ofrece a los músicos, sin límite de tiempo, la posibilidad de improvisar con toda libertad, de confrontar técnicas, estilos e ideas, de arriesgar o de probar ciertas innovaciones.
Además, las jam, por principio subvertían las reglas del negocio de la música en la medida en que los instrumentistas jóvenes o poco conocidos podían, de forma ideal, tocar en compañía de las glorias reconocidas.
Aunque también se pueden organizar con fines comerciales, en concierto, club o estudio de grabación. Han quedado en la historia del jazz, las maratonianas jam organizadas por el productor Norman Granz, bajo la denominación Jazz At The Philarmonic (JATP).
Las premisas sindicales, a finales de los años cuarenta, y la multiplicación de estilos y tendencias dieron fin a esta tradición de la música negro-americana que, de forma secreta e imprevisible, resucitará con ocasión de ciertos encuentros free.
15/4/08
Ron Carter · Jazz Voyeur 2008
Ron Carter · Dear Miles · Jazz Voyeur Festival 2008
El músico estadounidense Ron Carter es el siguiente protagonista del ciclo de conciertos del Jazz Voyeur 2008 que se desarrolla en Palma de Mallorca.
El miércoles 23 de abril, en el Conservatorio de Palma, Ron Carter presentará su particular homenaje a Miles Davis, Dear Miles que es el título de su último trabajo discográfico, con Stephen Scott en piano, Payton Crossley, batería y Roger Squitero, percusión.
Más de treinta y cinco años en el jazz y de 2000 discos grabados, han convertido a Ron Carter en una de las voces más distinguibles del contrabajo.
Nacido en Fernandale, Michigan en 1937, comenzó a tocar el cello a los diez años para después cambiar al contrabajo. Graduado en la Escuela de Música de Manhattan, desde principios de los sesenta trabajó al lado de grandes líderes como Chico Hamilton, Julian Cannonball Adderley, Eric Dolphy y Jacki Byard.
El año 1963 marcó su reunión con el pianista Herbie Hancock, el baterista Tony Williams y, un año después, el saxofonista Wayne Shorter, para convertirse en el grupo de jóvenes músicos que suplirían al legendario quinteto del trompetista Miles Davis.
Desde fines de los cincuenta sus diversas agrupaciones habían incluido a ejecutantes de la talla de Red Garland, Wynton Kelly y Bill Evans en el piano, Adderley, Sonny Rollins y John Coltrane en el saxo, Paul Chambers en el contrabajo y Jimmy Cobb y Phily Joe Jones en la batería. Ocupar el lugar de Paul Chambers, el enorme contrabajista que había acompañado a Miles desde 1955, requería de un músico de grandes dotes.
El trompetista lo sabía y por eso llamó a Ron Carter, quien desde su departamento en el Bronx de Nueva York con voz pausada dice que entonces su reacción no fue de sorpresa. "No me importaba ocupar el lugar de Paul Chambers, ni siquiera lo pensé. Simplemente Miles me llamó para un trabajo y yo acepté".
A su juicio, el trompetista no contrató a un grupo de músicos inexpertos, sino a cuatro jóvenes ejecutantes capaces de contribuir a los cambios que él quería imponer a su música. "Resultó una experiencia fantástica trabajar con un genio como Miles Davis. Yo escuchaba su música desde los años cincuenta. Aunque no lo escuché mucho después de los sesenta, cuando dejé de tocar con él, me gusta la música de todos sus periodos. Fuimos grandes amigos".
En su autobiografía, Miles Davis recuerda su relación con estos músicos: "Yo tenía fe en Tony, Herbie, Wayne y Ron para tocar cualquier cosa que deseáramos... Si yo era la inspiración, la sabiduría y el eslabón en esta banda, Tony era el fuego, la chispa creativa; Wayne era el conceptualizador de muchas de nuestras ideas musicales; Ron y Herbie eran las anclas. Yo sólo era el líder que nos reunió".
Durante seis años el quinteto tocó siempre sobre el filo de la navaja. A lo largo de cada presentación la música crecía: muchas de las composiciones se enriquecían tanto que después de un tiempo diferían de las versiones originales. Grabaciones como Filles of Kilimanjaro, Miles in the Sky, Seven Steps to Heaven, ESP, Sorcerer, Miles Smiles y Nefertitti -todas editadas por Columbia- definieron buena parte del jazz de los sesenta.
Un tanto parco en sus declaraciones, Ron Carter sólo necesita de una frase para sintetizar la importancia de su trabajo al lado del trompetista: "Con Miles aprendí a tocar bien todas las noches". Este no es sólo un tributo a Miles, sino también a la música que creamos y a nuestra determinación de mantener viva esta parte de la historia".
Su relación con Miles Davis es un capítulo de una historia que involucra sesiones al lado de músicos como McCoy Tyner, Herbie Hancock, Gerry Mulligan, Gato Barbieri, Milt Jackson, Sam Rivers, Stan Getz, Coleman Hawkins, Michel Legrand y Freddie Hubbard, por nombrar a los primeros que se vienen a la mente.
El sonido de su contrabajo es siempre impecable, elegante, sobrio. Aunque disfruta del trabajo de ejecutantes de bajo eléctrico como Marcus Miller, su gran pasión sigue siendo el sonido profundo que sólo puede ser producido por un instrumento acústico. "El contrabajo es todo para mí", dice uno de los músicos más solicitados en los estudios de grabación.
RonCarter ha contribuido a liberar al contrabajo de su papel como instrumento de la sección rítmica para darle una voz solista. Al frente de un cuarteto integrado por contrabajo, piano y batería, Ron conduce su música con el sonido poco frecuente del contrabajo piccolo (instrumento intermedio entre el cello y el contrabajo).
Además de sus compromisos con otros músicos, sigue trabajando con su cuarteto al que en ocasiones le agrega cuatro cellos para expandir los horizontes de sus composiciones hacia un trabajo orquestal.
El sonido profundo de su contrabajo ha sido el acompañante idóneo en sus duetos con el guitarrista Jim Hall (Alone Together, Milestone), el saxofonista Joe Henderson (The State of the Tenor) y el acordeonista Richard Galliano (Panamanhattan).
La utilización de acordes con dos o tres cuerdas y el uso de todos los registros del instrumento llenan los huecos que pudieran surgir al no contar con el apoyo del piano y la batería.
Para Ron Carter trabajar en duetos no implica necesariamente la utilización de mayores habilidades en el instrumento. "Es diferente, no necesariamente más difícil, pero sí diferente. En un grupo de cuatro ó cinco ejecutantes compartes igual número de puntos de vista, mientras que en un dueto el discurso debe ser sostenido sólo por dos músicos".
Ron Carter ha seguido al pie de la letra las enseñanzas de su maestro Miles Davis. En cualquiera de sus grabaciones o en concierto, ya sea con su propio grupo o acompañando a otros músicos, se mantiene firme en el reto de tocar mejor que el día anterior. Con voz pausada, que sugiere la melodiosidad de su contrabajo, asegura: "El jazz me ha brindado cosas maravillosas, pero aún hoy trato de tocar algo diferente todos los días".
CoverArtWorld 2008
Fuente: Ron Carter Website
El músico estadounidense Ron Carter es el siguiente protagonista del ciclo de conciertos del Jazz Voyeur 2008 que se desarrolla en Palma de Mallorca.
El miércoles 23 de abril, en el Conservatorio de Palma, Ron Carter presentará su particular homenaje a Miles Davis, Dear Miles que es el título de su último trabajo discográfico, con Stephen Scott en piano, Payton Crossley, batería y Roger Squitero, percusión.
Más de treinta y cinco años en el jazz y de 2000 discos grabados, han convertido a Ron Carter en una de las voces más distinguibles del contrabajo.
Nacido en Fernandale, Michigan en 1937, comenzó a tocar el cello a los diez años para después cambiar al contrabajo. Graduado en la Escuela de Música de Manhattan, desde principios de los sesenta trabajó al lado de grandes líderes como Chico Hamilton, Julian Cannonball Adderley, Eric Dolphy y Jacki Byard.
El año 1963 marcó su reunión con el pianista Herbie Hancock, el baterista Tony Williams y, un año después, el saxofonista Wayne Shorter, para convertirse en el grupo de jóvenes músicos que suplirían al legendario quinteto del trompetista Miles Davis.
Desde fines de los cincuenta sus diversas agrupaciones habían incluido a ejecutantes de la talla de Red Garland, Wynton Kelly y Bill Evans en el piano, Adderley, Sonny Rollins y John Coltrane en el saxo, Paul Chambers en el contrabajo y Jimmy Cobb y Phily Joe Jones en la batería. Ocupar el lugar de Paul Chambers, el enorme contrabajista que había acompañado a Miles desde 1955, requería de un músico de grandes dotes.
El trompetista lo sabía y por eso llamó a Ron Carter, quien desde su departamento en el Bronx de Nueva York con voz pausada dice que entonces su reacción no fue de sorpresa. "No me importaba ocupar el lugar de Paul Chambers, ni siquiera lo pensé. Simplemente Miles me llamó para un trabajo y yo acepté".
A su juicio, el trompetista no contrató a un grupo de músicos inexpertos, sino a cuatro jóvenes ejecutantes capaces de contribuir a los cambios que él quería imponer a su música. "Resultó una experiencia fantástica trabajar con un genio como Miles Davis. Yo escuchaba su música desde los años cincuenta. Aunque no lo escuché mucho después de los sesenta, cuando dejé de tocar con él, me gusta la música de todos sus periodos. Fuimos grandes amigos".
En su autobiografía, Miles Davis recuerda su relación con estos músicos: "Yo tenía fe en Tony, Herbie, Wayne y Ron para tocar cualquier cosa que deseáramos... Si yo era la inspiración, la sabiduría y el eslabón en esta banda, Tony era el fuego, la chispa creativa; Wayne era el conceptualizador de muchas de nuestras ideas musicales; Ron y Herbie eran las anclas. Yo sólo era el líder que nos reunió".
Durante seis años el quinteto tocó siempre sobre el filo de la navaja. A lo largo de cada presentación la música crecía: muchas de las composiciones se enriquecían tanto que después de un tiempo diferían de las versiones originales. Grabaciones como Filles of Kilimanjaro, Miles in the Sky, Seven Steps to Heaven, ESP, Sorcerer, Miles Smiles y Nefertitti -todas editadas por Columbia- definieron buena parte del jazz de los sesenta. Un tanto parco en sus declaraciones, Ron Carter sólo necesita de una frase para sintetizar la importancia de su trabajo al lado del trompetista: "Con Miles aprendí a tocar bien todas las noches". Este no es sólo un tributo a Miles, sino también a la música que creamos y a nuestra determinación de mantener viva esta parte de la historia".
Su relación con Miles Davis es un capítulo de una historia que involucra sesiones al lado de músicos como McCoy Tyner, Herbie Hancock, Gerry Mulligan, Gato Barbieri, Milt Jackson, Sam Rivers, Stan Getz, Coleman Hawkins, Michel Legrand y Freddie Hubbard, por nombrar a los primeros que se vienen a la mente.
El sonido de su contrabajo es siempre impecable, elegante, sobrio. Aunque disfruta del trabajo de ejecutantes de bajo eléctrico como Marcus Miller, su gran pasión sigue siendo el sonido profundo que sólo puede ser producido por un instrumento acústico. "El contrabajo es todo para mí", dice uno de los músicos más solicitados en los estudios de grabación. RonCarter ha contribuido a liberar al contrabajo de su papel como instrumento de la sección rítmica para darle una voz solista. Al frente de un cuarteto integrado por contrabajo, piano y batería, Ron conduce su música con el sonido poco frecuente del contrabajo piccolo (instrumento intermedio entre el cello y el contrabajo).
Además de sus compromisos con otros músicos, sigue trabajando con su cuarteto al que en ocasiones le agrega cuatro cellos para expandir los horizontes de sus composiciones hacia un trabajo orquestal.
El sonido profundo de su contrabajo ha sido el acompañante idóneo en sus duetos con el guitarrista Jim Hall (Alone Together, Milestone), el saxofonista Joe Henderson (The State of the Tenor) y el acordeonista Richard Galliano (Panamanhattan).
La utilización de acordes con dos o tres cuerdas y el uso de todos los registros del instrumento llenan los huecos que pudieran surgir al no contar con el apoyo del piano y la batería. Para Ron Carter trabajar en duetos no implica necesariamente la utilización de mayores habilidades en el instrumento. "Es diferente, no necesariamente más difícil, pero sí diferente. En un grupo de cuatro ó cinco ejecutantes compartes igual número de puntos de vista, mientras que en un dueto el discurso debe ser sostenido sólo por dos músicos".
Ron Carter ha seguido al pie de la letra las enseñanzas de su maestro Miles Davis. En cualquiera de sus grabaciones o en concierto, ya sea con su propio grupo o acompañando a otros músicos, se mantiene firme en el reto de tocar mejor que el día anterior. Con voz pausada, que sugiere la melodiosidad de su contrabajo, asegura: "El jazz me ha brindado cosas maravillosas, pero aún hoy trato de tocar algo diferente todos los días".
CoverArtWorld 2008
Fuente: Ron Carter Website
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